martes, 11 de febrero de 2014

August: Osage County

The Company Men (2010), la ópera prima de John Wells, era una película que estaba bien hecha, no era mala (como muchas podríamos decir, que simplemente cumplen), pero generaba poca atracción, aun teniendo como tema central a la última actual crisis económica, y contar con actores como Tommy Lee Jones, Ben Affleck y Chris Cooper como los protagonistas, teniendo a Affleck en el mayor rol, con toda su simplicidad pero con el carisma que conlleva que sea él, y como anexo el olvidado Kevin Costner (quien lo diría, aunque ya nos hemos acostumbrado, y es que el tiempo pasa y muchas veces nos “quita” la gloria), y la bella y escultural Maria Bello, la que tiene escenas donde nos lo deja claro. Y es que no hay nada llamativo y original en la trama, quizá solo que sus personajes representan el sufrimiento y la preocupación tras el desempleo y lo que acarrea en el modo de vida, no poder pagar la universidad de una hija o perder el auto del año, la amplia casa en una buena zona y hasta los juegos electrónicos del vástago, visto desde dentro de la clase media alta. La que se contextualiza en una gigantesca corporación que requiere de recortes para seguir siendo productiva, expulsando a gente calificada que se generaba fuertes ingresos, una existencia acomodada. Sin embargo, aun versando en cierta cara oculta o poco retratada de la población americana (y mundial por reflejo), ya que no nos refiere al que tiene que subsistir, sino al que ostenta mucho más de lo que necesita, se termina repitiendo el patrón general y abundan los clichés, como convertirnos en seres humildes en el corazón al tener que hacer trabajo manual. Después todo bien desplegado, pero insignificante a más no poder, ya que trata de ser simpático con los recursos de siempre, fuera de su historia dramática, de corte ligero, perpetrándose en un buen ritmo, y por ende siendo entretenida, si es que nos conformamos con una historia tan pequeña en su narración.  

Por todo no es que haya sido un comienzo que te aliente mucho como espectador, pero podíamos ver que concebía oficio, y como se constata ha logrado que queden contentos en Hollywood, con la dirección que realizó, ya que ahora el reparto se hace mucho más grande e importante en August: Osage County. De donde hay dos nominadas al Oscar 2014, en las mega-estrellas Meryl Streep y Julia Roberts. Y una buena labor grupal, ya que sus cimientos pertenecen en pantalla al de un equipo que quiere contar la idiosincrasia personal de cada uno, proporcionando descubrimientos penosos y conflictos en todos ellos. Como la sorpresa parcial que es la actuación de la casi desconocida Julianne Nicholson, como Ivy, una apacible solterona enamorada de un perdedor con el que comparte vínculos sanguíneos. A su lado, el siempre fácil de querer Sam Shepard dentro de un rol breve como el padre alcohólico, un poeta e intelectual reconocido y acomodado, pero dejado de lado por su profesión ante sus licencias y relajos e infeliz en su cotidianidad, que hace de motor de reunión y el sacar al aire los múltiples trapitos sucios del hogar. Alguien a quien deberíamos apreciar mucho más, a Dermot Mulroney, que hace pequeños papeles pero sumamente creíbles y contundentes. El novio playboy de una de las hijas Weston. Karen, Juliette Lewis, perfecta en el papel de una hija de pasado libertino, mala reputación, que quiere sentar cabeza, y que la muestra apocada, intimidada y menospreciada por su madre, yaciendo desesperada ante el futuro, por lo que se agarra a la que ve como su única oportunidad. También está el pequeño Charles, en un bastante bueno Benedict Cumberbatch, como el hijo mediocre pero dulce y buena persona, maltratado, constantemente humillado por su progenitora, que le ha sumido en una personalidad insegura y auto-flagelante a la vera de sus culpas. Ella es Mattie Fae Aiken, la actriz Margo Martindale, compleja debajo de ser vista como un estereotipo, la que desborda antipatía, lo cual se hace ver bastante lograda por su propio talento, venciendo la indiferencia natural que genera intrínsecamente. Tiene una actuación pequeña pero interesante. Después, no se le aprovecha a Abigail Breslin que solo yace correcta y poco vista, como Jean Fordham, nieta adolescente de Violet, de la que se le entiende rebelde –fuma marihuana, aunque a quien le descoloca aquello- pero apreciable en que no es tan tonta al uso, gusta de ver El fantasma de la ópera (1925), y pues ¿qué chiquilla común gusta de semejante clásico? ¿O es que infravaloro la capacidad general de esa edad? Con ellos, Ewan McGregor, en el rol de Bill Fordham, el padre infiel, y realmente es poca cosa su intervención aunque es loable que este actor se deje ver más a menudo en un tono serio, dramatizando discusiones álgidas entre gritos, aunque también asoma su portentosa sonrisa. Y por último,  está Chris Cooper como Charlie Aiken, que es el tío relajado y buena onda, y se queda así, sin más, al punto de pasar por un poco bobo, pero que lleva su rato de alteración y rescate, simplona gracia –como en su oración- e intento de sorna luego mandado a callar.

Es atractivo ver que se maneja la imperfección con solvencia en cualquiera de los integrantes de los Weston, no se tiende a ser reduccionista, aunque hay imágenes mentales, no se va a simplemente juzgar y tacharlos de golpe (al menos pretenden intentar salir de sus agujeros, ven la realidad que los describe), aunque no es que sean retratos exuberantes. Pero habría que decir que se abarca mucho en poco espacio ante tantas historias personales, y aunque la propuesta sale bien parada en conjunto, tiene creatividad y su lado de transcendencia por varios frentes, se siente el peso de la ambición colectiva. No resulta tan creíble tanta crisis y caos familiar, se ve que es demasiada problemática, su calidad compacta no es tan verosímil, aunque fluye con su ritmo, entretiene, cumple su cometido de generar atención y novedad, un clímax tras otro, en que parece en un momento que ya todo acabó en un final feliz digamos, de comprensión, pero pasa a uno más y aun mayor, un boom final donde todo explota y se desborda, como suele yacer en la dramaturgia de Tracy Letts -en que se basa esta película; obra teatral merecedora del Pulitzer del 2008- que deja lo peor para la última media hora llevando todo al extremo. Veamos sino Bugs (2006) y Killer Joe (2011), otras piezas dramáticas suyas y sus guiones respectivos convertidos en filmes, ambos por la dirección de William Friedkin.

La paranoia de Bugs llega hasta la revelación apoteósica, rompe todo límite, nos da un violento y brutal golpe a la consciencia, dejando en claro la postura que triunfa, una especie de Take shelter (2011) más segura de sí, con el mismo actor, el magnífico Michael Shannon en la quintaesencia de lo que habitualmente interpreta, junto a Ashley Judd que da la talla, y no es menos ante su coprotagonista, en una conjunción de entrega y gran envergadura. Es una cinta muy curiosa, aunque caiga en la exageración, y algo en la redundancia o sobre explotación, no obstante muy a tener en cuenta. Mientras Killer Joe es convencional en gran parte del metraje –aun con exponer más crudas las palizas en la visión de la sangre y utilizar desnudos completos, como los de Juno Temple y Gina Gershon que hacen estupendas performances, sobre todo la minusvalorada Gershon, vista como actriz menor, que aquí pone todo sobre la sartén, o la pieza de pollo del KFC si se quiere ser más directo, y hay que aplaudirle su valor en un estado de mayor alcance de lo habitual en ella- para darse lujuriosa, con humor negro, salvaje, perversa e impredecible en su último tramo. Una actuación que se engrandece en ese lapso es la del hoy aclamado por la crítica, Matthew McConaughey como un calculador pero extrovertido asesino a sueldo texano –con sombrero de cowboy y botas que como se estila deben ser particulares, ya que hablan de ser o no un ganador en el lenguaje del sur de Estados Unidos que describe Letts, como deja ver un diálogo en August: Osage County- que tiene una personalidad imponente y seductora, hasta que le llega su hora de fracaso. A lo que agregamos que Thomas Haden Church, es un actor con ángel, trasmite sentimiento aun en lo ordinario, y que a pesar de su fisonomía hace de tipos más suaves de lo que aparenta, y tiene mérito no ser condescendiente con la imagen preconcebida. Killer Joe es una muy buena cinta que habría que recomendar más, si cabe, aunque sin sobredimensionarla. Está bien urdida tanto que remonta la sensación de tener un bajo presupuesto, y logra más que cumplir desde la claridad de componer y desnudar la naturaleza de sus criaturas. Paga las expectativas.

Pasando a los pesos pesados, confieso que aunque no se podía eludir la admiración y el aplauso, justificado, hacia Meryl Streep, nunca ha sido de mis favoritas. No había algo que me haya extasiado de ella en su filmografía, salvo que mirándolo desde sus últimos años he apreciado su compromiso, mimetización y fuerza como actriz en El ladrón de orquídeas (Adaptation, 2002) y El diablo viste de Prada (2006), y algo menos en Las horas (2002) y Los puentes de Madison (1995), todas estupendas películas, además. No obstante, su papel como la matriarca Violet Weston ha logrado ese esperado momento, creo que es la actuación más cautivadora que ha acometido dentro de la que podemos concebir como la segunda parte de su carrera, o una de las más altas cotas de su arte. He caído rendido a su fascinación y a su facilidad para generar estados de ánimo, tales como miedos, enternecimiento, sarcasmo, locura, reproches, comparaciones viperinas, traumas o desfogues de agresividad emocional. Estando perpetrada en una figura dual, su deterioro físico que esconde en pelucas –impresiona el aclimatarse a una vejez de muy poco glamour, en plena franqueza- y como se mueve en su rudeza. Envueltos en un toque de ambigüedad –porque tiene ratos de luz aunque son los menos- entre el bien y el mal, con inclinación a lo segundo y a pesar de su carácter corrosivo y envenenado por el cáncer de boca y la adicción a las drogas medicadas. Hasta el desenlace que le hacen ver cruel, que igual implica dolores ocultos y desequilibrios que la desnudan humana. Un acierto porque de no ser así sería algo pobre, unidimensional, y ella es el fuego artificial central del relato que deriva o se complementa en los percances, defectos y frustraciones de su familia.

En el otro lado está Julia Roberts, la que ha sabido explotar, con éxitos y fracasos, claro, dependiendo de cada quien, su gracia y simpatía (yo creo que si bien acostumbra una cuota de talento no ha sacado nada espectacular en esta línea tras la encantadora Pretty Woman (1990), y no importan los juicios morales, la inocencia que despliega la historia, ni las descalificaciones ajenas), en películas ligeras que la han catapultado a la merecida popularidad, pero como que se estaba agotando la fórmula o muchos ya lo tenían por hecho, tras tantos años de repetirse, siendo Erin Brokovich (2000), su lugar más alto, que siendo honesto encuentro el respaldo demasiado entusiasta aun elogiando el filme y a su persona. Y no es que ella haya sido muy exigente, yo diría que ha tenido más bien destellos, aunque debemos tener presente que ser entretenido y gustar también es una virtud que sabe manejar bastante bien. Actualmente en el papel de Barbara Weston, la hija predilecta de la familia, de la que se vislumbraban grandezas y que desilusiona al casarse y ser ama de casa, un trasunto general de lo que es la vida, se luce desmejorada en su apariencia, lo que le exige el rol, siendo sutil en lo externo (un logro aunque tampoco sea para reventar demasiados cohetes, pero sí que es una buena actuación, donde los cambios son discretos, ejerciendo algo “atípico” a su común caracterización, el futuro es elíptico en su personaje a diferencia del tangible de Brokovich, en una nueva promesa, como pasa con sus dones), que se amalgama con la idea de su caída, en lo que es mutua la desazón familiar, compartida incluso en la misma perspectiva. Es valioso ver que brillan -mucho más que el resto- los matices en su concepción, alguien de quien podríamos decir que suena injusto que fracase, que tiene entereza, dignidad. Con quien todos podemos sentirnos más identificados, y eso escoge el filme. Viendo cómo se rearma desde la nada, desde la decisión, a partir sí misma, mientras la mayoría se quiebra, se desmoronan y quedan ahí, aceptan muy poco, ensombrecen el mundo, no obstante Barbara resulta una representación en la trama, es el mensaje entre tanto espectáculo, ya que la película tiene mucho de teatro, no se puede negar. Pero hay que apostillar, logra la transición al cine, y no es porque sea gratuito, se debe a pequeños cambios, a unos pocos detalles realistas, si bien es una adaptación que funciona en pantalla bastante tal cual a su procedencia. Y es que uno se siente cómodo con la obra teatral, aun viendo sus naturales marcas de distinción, en éste otro lenguaje artístico.

Es un filme, como todo aquel que tiene sustancia, que sirve para interiorizar aspectos humanos, aquí desde la grandilocuencia. Este cine alumbra algo mayor que luego asimos a la propia cosmovisión. Sopesando alguna crítica extra del autor, anexa, más directa pero como comentario en los tantos diálogos (viendo que están tan bien desplegados en la trama). La llanura o naturaleza que implica -a contracorriente de la idea general- libertad y posibilidad o eso hay que buscar, seguro que en el esfuerzo más que en lo utópico o etéreo, la tierra y el hogar como lugar de fuerte y capital experiencia, en el caso presente Oklahoma (que como todo lugar que invoca las raíces de alguien se le critica, se le recrimina, se le tolera y se le quiere), lo nativo como origen desencadenante, nuestro magma podemos creer, al que debemos respetar más, darle su espacio, construirlo –si bien la visión angloamericana de la familia suele ser como la que exhibe Letts, pesimista, y nos diga que es cuestión de ver su idiosincrasia, hacer un balance, ser generosos, pero no masoquistas-. Entendiendo que los padres tienen una responsabilidad, crear un ambiente saludable, que funcione, en que se pueda convivir en paz, formando seres humanos con tendencia a lograr ser felices. En lo que es la metáfora de los indios, vista a razón de un núcleo vital en el porvenir de cada existencia aunque no tenga la última palabra. 

3 comentarios:

  1. Y hablando de opiniones polémicas, sabes que Streep ha sido criticadísima por desmesurada en este film. A mí tampoco me lo parece, es Broadway llevado al cine y se nota. Yo sí me he extasiado con Meryl Streep, no sé tu opinion sobre su papel en Sophie's choice. Adaptation y demás fue un intento inteligente de dar nuevo rumbo a su carrera. La película me gustó, no esperaba ni más ni menos. un abrazo.

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  2. Tengo que ponerme las pilas con las pelis de tres meses para acá, que ando perdidísima y con muchas pendientes...

    Besotes

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  3. Pues yo tengo debilidad por Meryl, lo reconozco. Y por esta razón ya esta peli me atraíaa mucho, pero me gustaría leerme antes el libro en el que está basado. A ver si puedo hacerlo prontito.
    Besotes!!!

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