martes, 9 de abril de 2024

Assalto ao Trem Pagador

Expuesto de manera sencilla y sin extenderse demasiado, vemos el robo de un tren al parecer del estado que transporta mucho dinero. Pero lo que importa es lo que viene a continuación, cómo éste grupo de ladrones tiene que no dejarse atrapar, para ello deciden no llamar la atención, gastar solo un 10% cada uno de su parte, puesto que quitando al que concibió la idea del robo todos viven en favelas, es decir son gente pobre y no sabrían justificar tanto dinero repentino, sobre todo cuando éste robo ha sido uno de los más llamativos de la historia de Brasil, basándose el director brasileño Roberto Farias en un robo real. El líder físico, de las acciones, no intelectual, es un hombre de color llamado Tiao (Eliezer Gomes) y es el tipo más rudo del grupo, pero con un cierto sentido de lo justo que veremos durante la película. Tiao amenaza al grupo, si gastan más de la cuenta, él se hará cargo de esa persona, deberá matarlo. Pero como suele pasar, no siempre las cosas se cumplen como se espera, y la mayoría empieza a gastar más de lo acordado, incluso el líder intelectual, Grilo (Reginaldo Faria), se da a la buena vida, aunque en una discusión se justifica desde las diferencias raciales y sociales. Roberto Farias lo hace como parte de que Tiao luzca como el negro inteligente -autosuficiente- y poderoso, como un especie de ser heroico, aunque desde lo políticamente incorrecto, desde el crimen, el deseo de tener mucho dinero cuando no tenemos esa oportunidad. El jefe de policía llega a sentir admiración por éste hombre de color que de cierta manera a sus ojos rompe el molde. Quien tiene 2 familias, 2 mujeres, muchos hijos. Se llega a mencionar que el robo parece hecho por extranjeros, y en cierta forma es un autoelogio al propio filme que tiene muy buena pinta, muy buen acabado, como si fuera hecho justamente por hollywood dirían. Pero no, está hecho por brasileños. Y hace mucho uso de su identidad, desde el cine social, con un realismo portentoso, mostrando en toda fuerza la realidad de las favelas y articulando y extendiéndose ahí el presente noir, produciendo un gran manejo de lo popular, de lo nacional, alrededor de un acto criminal, de vivir sin ser descubierto. El dinero empieza a gastarse y a tentar a otros en la favela y empiezan a surgir problemas como con el tío chantajista. El que no le teme a los hombres le pone al descubierto Tiao antes de hacerse cargo de él, de ésta molestia. El personaje más importante es Tiao. Farias le da personalidad y lo utiliza muy bien con la identidad social que tiene. Es un ladrón que respira pueblo, un tipo que intenta burlar muchas cosas, las reglas, al estado, el peligro, intenta hacerlo con el destino y un poco huele a justicia social -aunque es para uno mismo-, retando todo ello. No obstante es cuestión de tiempo caer detenidos -frente a un poder notoriamente mayor- y el filme tiene mucha vida en ese trayecto, produciendo mil entretenidos momentos -varios tensos-, desde el cine que le habla fácil al público otorgándole algo notable. La mujer de un ladrón hace como talón de Aquiles para él y no para de complicarle la existencia y de paso a los demás, añade mucho al conjunto. En ese sentido se ve a Tiao cómo domina a las mujeres, quien lleva mucho de guerrero tribal en la imagen de un humilde camionero. Incluso en un momento les dice a sus 2 parejas, ambas presentes, que deben llevarse bien entre ellas, implicando como principal la solidaridad económica. Igualmente se ve como se les ilumina los ojos a sus inocentes hijos cuando le ven, habiendo en la propuesta varias imágenes donde choca ver la pobreza desde la infancia y es un elemento que implica pensar más que en Tiao. Las actuaciones son buenas, como la de una de las esposas -una morena guapa desprovista de adornos- que se quiebra frente a la presión policial -luciendo estos como buitres, aunque están cumpliendo con su deber- y de los medios y produce tremenda secuencia hacia lo melancólico, mostrándose una mirada social dentro del abandono de los pobres y te hace reflexionar aunque no solemos hacerlo. También son memorables las escenas con el popular actor brasileño Grande Otelo como un borracho lleno de risa (picardía) en su pequeño e intenso cuerpo. 

jueves, 4 de abril de 2024

Les Photos d'Alix

Una fotógrafa, Alix Clio-Roubaud, una fotógrafa de verdad, de 30 años de edad, muestra fotos suyas a un amigo y empieza a hablar exagerando lo que ve, aunque lo hace muy relajada, fumando, contenta consigo misma. Las fotos que muestra se miran a la cámara, frente al espectador, y son muy simples, pero ella les da otra dimensión mayor y cada vez la ironía o el truco de Jean Eustache es más notorio. La fotógrafa –como una efigie que seduce- denota que sabe o tiene buen conocimiento general pero el trabajo en sí es distinto a como lo describe, marcando la diferencia entre lo que creemos y lo que en realidad es, como si habláramos de un trabajo trascendental que lo hace desde lo minimalista o austero, desprovisto de detalles. En sus palabras las fotos son algo complejo, mientras lo que se ve en sí es básico, en un juego que llega hasta lo obvio, puesto que el mecanismo se repite e intensifica. Se nota una mujer algo presuntuosa y ella le da además un elemento personal al asunto, íntimo. Ella misma llama al material y al trabajo de su fotografía como algo sentimental, manifestando una cierta poética, y no suena mal porque le habla a un amigo con el que parece tener mucha confianza, pero hay abierta grandilocuencia en su verborrea de mujer que se estila sofisticada o muy moderna. No obstante el material parece desmentirla y ahí brilla la “originalidad” o lo políticamente incorrecto de Eustache, puesto que se lee como un filme sobre relaciones entre hombres y mujeres, a lo Truffaut, donde la mujer cae en la personalidad extrovertida, de las que no llevan contención y es material sutil –por el compañero que quizá está un poco ciego- y no tan sutil –por el director- de crítica del hombre. Se nota más porque el joven, Boris Eustache, hijo real del director, que por entonces tenía 22 años, parece en realidad un muerto, no exuda mucha personalidad, entonces el contraste es notorio. Es un filme un poco machista, juega al cliché del tipo sencillo, humilde, sin pretensiones, el típico hombre que no se hace problemas –o le teme a toda intrepidez-, y la mujer demasiado habladora, demasiado ella, pero también habla de juventud, mientras el chico es más maduro digamos o así lo parece su recato, aunque más plano, incluso autoconsciente (que también es complicado de hallar). El muchacho parece interesado en la mujer y es todo oídos y amabilidad. Ella simplemente está en pleno ejercicio de sentirse atendida, objeto de atracción. Sea por su belleza o su personalidad extrovertida, diga lo que diga. Es un filme que se puede catalogar de sencillo, de los híper realistas, pero que es sólido y condensa muy bien su idea y lo hace provocando una narrativa autosuficiente en tan solo 18 minutos, logrando cocinar un pedazo de vida entre las relaciones hombre-mujer, de lo que no sorprende que exista el feminismo –mucho más lógico de lo que creemos, aun viviéndose demasiado ubicuo hoy-, frente a cierto estado de velada superioridad de algunos frente al objeto de adoración (o deseo de posesión), pero también de tortura. Cuando uno ve un filme -que a eso remite el contexto de la fotografía y seguramente al propio trabajo de Eustache- uno puede ser muy básico, muy práctico, muy informativo, muy escueto, parametrarse en lo más seguro, pero también un tema o una interactuación visual puede despertar muchísimos ángulos del mismo tema. No es que inventes sino es flexibilizar o manipular partes menos obvias y limitadas por lo más abierto y notorio, si bien todo trabajo artístico es un trabajo subjetivo, y tanto la crítica como la película son complementarios puesto que pueden enriquecerse mutuamente. No es solo repetir lo que está delimitado de manera general, la narrativa central. Hay critica que puede aspirar plantear literatura –la riqueza y la libertad de la palabra, romper con las reglas pero sosteniéndolo con los propios argumentos- y pensar con libertad un tema, es sacar sustancia de lo que vemos, pero tampoco es un trabajo fácil, no todos pueden exprimir un tema, es más común sólo poder ver el mundo de manera encerrada y cuadriculada. Si bien el filme de Eustache como que se burla de esto, lo que en realidad determina que es bueno y que no es la argumentación, sostenerlo, mostrar lo que pocos ven. Y aquí la chica es mofa de la personalidad femenina que seguramente Eustache se ha topado o ha conocido en gente de su entorno, gente que magnifica lo vacío, lo ordinario. ¿Dónde yace la diferencia? En reconocer interesante lo que se percibe. Uno puede burlarse como el chico no lo hace porque está seducido por la belleza y la amistad de la fémina, pero si como un Eustache que plantea un elogio de nuestra simpleza, como muchos hacen, pero nunca olvidemos el poder de tener una mirada atípica, o simplemente un ángulo nuevo que enriquece el mundo, un mundo que nunca se acaba, ni debe acabarse, aun luchando frente al canto de nuestra elementalidad.

sábado, 30 de marzo de 2024

Cosmic Miniatures

Éste filme le pertenece al alemán Alexander Kluge que tiene actualmente 92 años de edad. Trabaja con la Inteligencia Artificial y es una película en buena parte de ciencia ficción, con muchas naves espaciales de fantasía imaginativa, bastantes menciones a extraterrestres, a animales fantásticos, y a montón de galaxias, astros y al cosmos en total libertad creativa, donde mezcla astronomía, astrología, matemática y ciencia ficción. El filme se basa en la exhibición a través de foto fija y es toda una extravagancia y tiene su gracia, sobre todo para cinéfilos curiosos y pacientes. Es una película de animación y por ende lleva mucha imaginación y ficción. Menciona lunas y planetas como hoteles, tiene una mirada muy futurista, muy libre, aunque la inteligencia artificial que usa para generar las ilustraciones y lo fantástico también tiene un toque como a borrador, pero sin duda, es una obra con su gracia, más allá de tener muy presente al autor, su recorrido, y a éste por una parte cine experimental. Igualmente se ve que Kluge se lo ha tomado muy relajado el asunto y se ha puesto a jugar con la computadora. Hay una parte que es astronomía real y habla de vuelos espaciales y la labor de conquistar el espacio, pero se deja llevar en demasía y mete mucha fantasía, es a todas luces un divertimento de cine arte minoritario. Hay mención documental o histórica a la perra rusa Laika, el primer ser vivo lanzando al espacio, alrededor de la tierra y que murió, pero sirvió para comprender que el ser humano podía resistir fuera de la tierra, y le rindieron un monumento. También vemos una parte científica con experimentos con gatos lanzados al espacio o entrenados para ello, y es un momento de inquietud, incómodo, puesto que nadie quiere ver animales lastimados o maltratados, y medio que el realismo europeo te pone tenso en pantalla. Pero Kluge no hace gala de sadismo disfrazado de realismo científico y pasa rápido y satisfactoriamente su propia prueba de empatía con el espectador, cosa que muchas veces pone a prueba puesto que su filme requiere de mucha paciencia, siendo un poco repetitivo, mostrando una gran seguidilla de fotos de ciencia ficción, proponiendo una narrativa escueta o elemental, como bien dice el título, se trata de miniaturas cósmicas, y en sí es una propuesta humilde, más allá de meterle matemática, pseudo ciencia y conocimiento de astronomía. En su mezcla de fantasía y el derroche futurista de la conquista del espacio es que se plantea un poco en la revelación, tras por un lado lo extraño, lo oculto al ojo común humano, pero lo hace de manera básica, y siguiendo un formato pseudo trascendental, propio lógicamente del sci-fi, pero que en realidad es manipular en plena libertad hasta lo lúdico la inteligencia artificial y lo que aguanta ser una animación con la que vamos a entretenernos y al mismo tiempo al mismo Kluge que nos sorprende a su edad, donde hace uso de humor además, pretendiendo ser cool, pero ¿por qué no? De eso va el cine en mucho, de seducir al espectador o un posible público con la libertad imaginativa y creativa del arte, y ahí también parece entrar la inteligencia artificial, si bien es algo aun en pos de perfeccionarse para que sea más disfrutable o más sustancial. Visualmente tiene cierta grandilocuencia aun tratándose de foto fija, pero carece un poco de mayor originalidad. No obstante hay muchos nombres de astros, miles de lunas, y galaxias que hasta apabulla en la inmensidad de lo que uno tiene o espera allá afuera. 

jueves, 28 de marzo de 2024

A paixão segundo G.H.

Ésta película del brasileño Luiz Fernando Carvalho presentada en el festival de Rotterdam 2024 adapta una novela de Clarice Lispector de mismo título. El filme es la introspección de una mujer de clase alta conocida simplemente como G.H., una escultura, que yace en su hermosa casa frente a la playa en la mayoría del metraje. El filme es un monólogo de ésta bella mujer interpretada por Maria Fernanda Candido en una performance muy exigente, donde exalta muchas emociones. La introspección es bastante ardua y compleja, es difícil de coger todo lo que pretende autoanalizarce y lo deja claro, cuando expresa, que no todo lo dice, es decir, hay mucha sugerencia, mucho quehacer gaseoso, no del todo especificado, y versa sobre un pasado que de cierta manera atormenta a la protagonista, que habla de un infierno del placer, pues ella asume el infierno como un lugar no de dolor sino de placer, y puede remitir a un pasado oscuro, de libertinaje, o de prostitución, donde habla de abortos. Es un filme muy interesante, donde Lispector denota ser una gran escritora, con un mundo muy personal, un fuerte mundo interior, donde alude incluso crisis mentales y hasta locura, delirio, histeria, cambios de estados de ánimo, perplejidad hacia el mundo y hacia la propia vida, como también con la relación de pareja, habiendo conflicto con una existencia con licencias y mucha libertad, señalando monotonía, pero al mismo tiempo dando a entender que ama a ese hombre con la que vemos tener sexo y dormir al lado. Implica también lucha de clases y diferencias sociales con la empleada negra recién despedida, la que le hace sentir un cierto estado de culpa, como de opresión hacia una clase más débil, y que coquetea un poco con cierto sutil erotismo, al mismo tiempo de sugerir violencia como dentro de una historia de terror, de un miedo personal exagerado, como así mismo vemos que una cucaracha despierta su psiquis y la hace meditar en demasía, como alguien que lleva un problema, aludiendo a Kafka, sintiéndose igualmente una cucaracha o una barata como dice en portugués. Hay un miedo a encontrarse con los errores del pasado, que guarda secretamente, pero esto le mortifica, así la vemos atravesar simbólicamente un encierro y hasta vacilar con un posible suicidio. Es una demostración de poder en nuestra contra y autocontrol, de no quebrarse y volver hacia ese futuro y esa esperanza que dice rechazar, puesto que observa a Dios en su presente a donde se siente ligada. La vemos divagar entre ser una socialité o caer en el abismo. Aceptar a su pareja o ir en busca de otra gente. Es la duda constante, el meditar cada cosa, con esa cucaracha y lo desagradable agrediendo su estabilidad, yendo y viniendo de su especie de infierno mental, donde observamos una mente inteligente, pero al mismo tiempo frágil e intensa, que va en detrimento de su propia personalidad, esa que parece haber mutado pero que se debate en poder caer en errores de antaño, frente a una vida cómoda económicamente en la actualidad en que vive y puede haber sido distinta antes. El filme es una explosión de muchísimas ideas que versan sobre la femineidad, sobre la independencia, la individualidad, el yo omnipotente puesto a prueba, es una mirada solitaria finalmente, con ese hombre que le acompaña pero yace en segundo plano, es ella frente a ella misma, frente a la cucaracha dentro del mundo social, viéndose reflejada en lo desagradable y barato o en choque con ello, que el filme de Carvalho sabe explotar con el detallismo y el "deleite" del insecto, convertido en radiografía. Es también una lección de creatividad artística, de conocernos o auscultarnos profundamente y concebir algo sumamente personal sin entregar todo servido. Sufrimiento existencial a la vena en un viacrucis seductor, intimidante y extenuante, como tremenda la entrega (hacia la liberación o expulsión), de éste especie de teatro unipersonal cargado de una amplia gama de emociones. 

martes, 26 de marzo de 2024

Ramona

Ésta película del 2023 es de República Dominicana y le pertenece a Victoria Linares Villegas. Es un documental, un especie de filme preparación para hacer una ficción o juega a eso, a exponer la historia de un filme mediante detrás de cámaras, con una actriz entrevistando gente semejante a la protagonista que haría en el relato, Ramona, una chica morena de 15 años que ha quedado embarazada y sueña con ser actriz. Para ello 15 adolescentes participan como variantes de la misma Ramona mientras aportan sus historias de vida, que versan sobre el embarazo prematuro o en chicas que aun no están preparadas para ser madres pero deben asumirlo con entereza, crecer en el proceso. El filme pone diferentes situaciones que hacen de ensayo al que sería el relato de un posible filme de ficción. La actriz escogida o la primera opción entra en una peluquería y actúa como si estuviera embarazada. Ahí se habla de éste difícil trance, se menciona la responsabilidad que acarrea tener un bebé, como una joven debe hacerse la idea de ser madre tan pronto. En otros momentos se flirtea con el padre que hace de galán pasajero, dentro de la juventud y el hedonismo inconsciente. Bailan, se seducen, en un lugar tipo del campo, como en una verbena. Se hace un poco de teatro además, con las adolescentes de público analizando la situación que observan y las refleja. El filme trata de investigar sobre su personaje para crear realismo, pero a la hora de recrear se plantea como una especie de telenovela. La parte documental tiene a la actriz principal interactuando con el contexto, como yendo a comer a un lugar austero, puesto que el filme recrea la vida de una chiquilla humilde, y común y corriente. En medio del ensayo vamos conociendo los pormenores de la historia de Ramona, una chica afín a muchas, donde en la propuesta tenemos 15 opciones, 15 representantes, que actuarán también cumpliendo su sueño. De paso las adolescentes hablan de su situación y cómo documental sirve de conocimiento sobre el tema. Piensan el lugar en que se hallan, sin dramatismo, sino en tono relajado. En sí es un filme suelto, que no trata de marcar ninguna tragedia, sino la aceptación de algo inevitable, aceptarse madre antes de tiempo, aunque madre soltera, pero tampoco dejaran de soñar y lo que vemos es justamente participar de una película, donde todas son Ramona en la flexibilidad y variedad de la personalidad. La actriz principal hace bien su trabajo tratando de lograr concebir a Ramona, como la va moldeando con los datos recabados, el engreimiento, la inmadurez, y así cada detalle separado que presenciamos iremos pegándolo para armar el panorama que es algo sencillo como para identificarse fácilmente. Formalmente no existe una película de ficción de cine arte, tira más a telenovela, pero como documental de ensayo making of lo hace bien, sumando análisis del embarazo de las adolescentes dominicanas, sin juzgarlas negativamente, sin ahondar en las culpas, sino comprendiéndolas, proponiendo amistad, y hasta dando cabida para que puedan no solo ser madres responsables, sino que puedan ser felices con sus cosas propias. Es un filme que busca emparentarse, no juzgar que han cometido un gran error, queda sobreentendido, y se prefiere incluso un poco de juego, de intrascendencia. Es comprender la inmadurez de la edad, pero se percibe ligereza. La falla es también la ausencia de una mejor comunicación con los padres -esperando no tener malos padres-, más noción de ésta situación, de las relaciones sexuales. Pero aquí se propone desde otro ángulo, como algo recurrente y busca la propuesta brindar un apoyo de semejante. Pero apoyemos también con prevención y confianza con los padres, luego por los maestros, y no tener así adolescentes que tengan que recién aprender de la vida, madurar, tras ya estar metidas en el error. 

lunes, 25 de marzo de 2024

La vida a oscuras

Éste documental del argentino Enrique Bellande nos enseña la labor de Fernando Martín Peña, coleccionista de películas en fílmico, que a falta de cinemateca es como que Peña es en cierta manera una pequeña cinemateca nacional, usando su colección privada de películas para proyectarlas públicamente, donde él mismo es el proyeccionista, igualmente las presenta y hasta quien recibe a la gente que asiste a ver sus proyecciones. Lo vemos cómo consigue su material, que es prácticamente desechado en primera instancia y él lo recoge, lo arregla y lo conserva en su propio hogar, en una época que ha cambiado, convirtiendo todo a digital y ya muriendo un poco el fílmico o yendo hacia su declive, pero Peña es alguien que trata de resistir el cambio, aunque se encierra a ver en su casa las películas, como uno hace así mismo con el streaming. Martin Peña se ha ganado el cariño del público argentino con el trato directo, como de quienes llegan a conocer de su pasión por el séptimo arte, también porque conduce un programa de tv dedicado al cine llamado Filmoteca, temas de cine, que conduce en tv pública ya rumbo a las 2 décadas. En la propuesta de Bellande vemos de manera muy práctica a Peña haciendo su labor, cero disfuerzos ni grandilocuencia, con la documentación de cada paso a paso de lo que realiza. Es un filme que trata de ser muy visual y no demasiado verbalmente explicativo en ese trayecto de comprender la dedicación de Peña y el proceso de recuperación y conservación al que se entrega. Pero además Martin Peña suele ser un buen conversador, mostrando además dotes de crítico, al ser conocedor profundo del material con el que trabaja donde asoman rarezas y también hasta dibujos animados pioneros y básicos, pues Martin Peña es un coleccionista todo terreno. Se le nota un buen tipo, muy sencillo, alguien que de verdad ama el cine, que como bien dice, qué bueno que de cierta manera el cine sea infinito y nunca uno deje de aprender y conocer, es un mundo de eternas novedades. Ésta pasión le viene desde niño por su padre y así mismo por el fílmico. Por ésta propuesta pasan películas memorables que observamos programadas en salas de exhibición por Peña hasta algunas difíciles de encontrar, un lujo gracias a éste coleccionista, sobre todo al estar en fílmico existiendo siempre muchos amantes de los ritos de siempre, con un Peña que trata de mantener la tradición del uso del material de antaño para proyectarlo pacientemente de manera clásica en una sala de cine, donde suele llenarlas o brindarse a los cinéfilos más hardcore, como él mismo lo es, sin ningún tipo de sobredimensión, sino siempre próximo y real, sorprendiendo al público con su criterio de programación. Incluso nuestro protagonista tiene muy claro el futuro, tal cual el filme (que ha tomado buen tiempo en concretarse), alguien como todos, uno de nosotros, dirían, palpando que respira cine, ama de verdad lo que hace mientras es especial en su contribución a la cinefilia argentina, y no porque todo sea perfecto o nos venga como anillo al dedo -como llega a decir sutilmente, ya que ser sociable es un trabajo también-, sino porque el que ama lo hace con todo el paquete y ahí finalmente tras la luz, tras la imagen en el ecran, yace la mirada feliz, cómplice, que se multiplica. 

martes, 19 de marzo de 2024

Garrincha - Alegria do Povo

Éste documental es el debut del brasileño Joaquim Pedro de Andrade. Es de 1963 y está calentito cuando el delantero derecho Manuel Francisco dos Santos, alias Garrincha, apodo que proviene de un ave como un ruiseñor que es oriundo de América, estaba en su máximo momento de gloria futbolística. Un año atrás había sido nombrado el mejor jugador del mundial de 1962 donde Brasil ganó el título y era la segunda vez consecutiva que Brasil ganaba un mundial gracias a su talento. Tanto en el mundial de 1958 como el de 1962 estuvo presente el mejor futbolista de la historia, Pelé, que debutó en un mundial con 19 años, pero Garrincha hizo más en estos 2 primeros mundiales, si bien Pelé destacó también, y ya en 1970 se luciría sin Garrincha con un nuevo título para Brasil. El documental de Pedro de Andrade como está calentito y el fútbol es un deporte que despierta pasiones y fanatismos no se manifiesta muy explicativo, sino asume que uno sabe mucho de Garrincha, entonces simplemente pone en movimiento la cultura del fan, le habla más al que lo conoce celebrando con éste público un homenaje a su figura de futbolista excepcional, uno de los mejores futbolistas de la historia. Se dice que tenia aves de mascotas, y se alude indirectamente a su sobrenombre. Hay mucha foto fija y bastante material de archivo de lujo para observar toda esa grandeza que tenía éste futbolista en la cancha, quien sabia hacer bailar a sus contrincantes como el mejor regateador de todos, que por sus piernas torcidas no sabían porque lado iba a tirar a correr o pasar la pelota. Ese es otro punto que habla de alguien especial, la anatomía de Garrincha no apunta al cuerpo natural o ideal que va a brillar en éste deporte, sino estaba lleno de imperfección, sin embargo como el talento no conoce reglas ni límite alguno se paso por alto todo lo que apuntaba en su contra, se volvió excepcional contra todo pronóstico. Otra cosa es que Garrincha era muy carismático, un tipo del pueblo, salido de abajo, y  siempre lo llevo consigo, generaba mucha empatía. A donde iba lo seguían, se amontonaban a su alrededor, como se pone a prueba en la propuesta. Los niños lo rodeaban, los adultos querían abrazarlo, darle la mano. Lo llamaban por ello la alegría del pueblo, por todo lo que se entregaba y conseguía en la cancha. Así vemos literalmente por el final, en el desarme y en la total complicidad del estadio, los marcados estados de la existencia, Garrincha despertaba fuertes pasiones, cundía de emociones al público que reaccionaba desde lo más profundo. El documental exhibe con gran perfección esa devoción del fanático alrededor de su ídolo. Hay consistente tiempo, bien dosificado, muy bien invertido, donde la cámara construye un hermoso resumen, dejando ver la técnica de Garrincha y es poesía visual. Cogemos su magia en estado puro con el dominio de su cuerpo. El filme no habla de nada negativo, puesto que es hasta 1963, Garrincha era el hombre que daba la hora, al que todos adoraban y admiraban, dentro del deporte más popular del mundo. Lo observamos entrenando y jugando en su primer club profesional, el Botafogo. Así mismo se pasa revista a la empresa textil de su lugar natal, Pau Grande, Magé, donde trabajaban todos los de la zona, donde estuvo junto con los amigos de toda la vida. En éste trabajo le solían perdonar que sea un poco flojo porque los fines de semana hacia ganar siempre al equipo de fútbol de la empresa. Lo vemos jugar a lo paradisiaco con la gente de su infancia, enrumbados hacia los 30. Igualmente contento con su familia, con sus 7 pequeñas hijas con las que echa a bailar, con esa festividad que le solía acompañar. El filme es una celebración del amor por el deporte. 

domingo, 17 de marzo de 2024

American Fiction

American Fiction (2023) debut del americano Cord Jefferson adapta la novela Erasure (2001) de su compatriota Percival Everett. Ésta propuesta ganó mejor película en el TIFF 2023, que es un premio prestigioso y curiosamente toda la gente asistente a las sesiones es la que vota, es un premio del público. En la historia tenemos a Thelonious "Monk" Ellison (Jeffrey Wright), un escritor sofisticado que no tiene mucho público, prácticamente es un desconocido. Un día se da cuenta que hay una escritora, Sintara Golden (Issa Rae), que trabaja con los estereotipos de los afroamericanos y es muy popular y exitosa. A él le molesta que a los afroamericanos se les encasille en su peor imagen, rodeados de crimen y sufrimiento a esa vera, siempre gángsters, siempre raperos. Monk incluso expresa muy audazmente que más que encasillarse en ser denominados afroamericanos, deberían verse más allá, como principalmente norteamericanos y buscar destacar, proponer complejidad, intelectualidad y brillar de esa manera. Monk se molesta y hace un libro al estilo de los estereotipos de los afroamericanos y lo hace con humor negro, pero ¡oh sorpresa!, empieza a tener relevancia, popularidad, lo empiezan a convocar de todas partes. Producto de esto puede estar cerca de Sintara y se da una gran conversación entre ellos, poniendo los distintos puntos de vista sobre la palestra, es así que éste filme si bien es más cómplice de Monk, da espacio para las opiniones opuestas. Igualmente la novia de Monk, Coraline (Erika Alexander), discute opiniones opuestas con Monk que es un tipo muy inteligente, pero también algo distante por ello del resto y choca a menudo con el mundo. Coraline es una mujer educada e inteligente, pero sí da cabida a lo popular, a esos lugares comunes que Monk detesta y siente que limitan el progreso y la mirada de su gente. Monk es un tipo intelectual de buena posición social, educado, de buena familia, no es rico, pero vive muy bien. El filme también muestra empatia de a pie con el público, con problemas familiares, gente que nos deja o gente que se va deteriorando por la edad, también hay momentos dulces y empáticos con la nana de Monk, Lorraine (Myra Lucretia Taylor), y con el hermano de Monk, Clifford (Sterling K. Brown), sobre su identidad sexual. Es una película que busca la sofisticación de la gente de color, pero también muestra la bella simpleza de nuestra humanidad, no es que se distancie de la gente, pero quiere también que vean más allá, que no se les encasille, de esa manera tan vulgar y simplista en las acciones, todo visto como un gángster, como alguien irreverente que no sigue reglas y lo hace de la manera más plana y criminal, tal lo define la discusión del metacine pues ésta propuesta que vemos se refleja a su vez como la película de un guion de Monk, donde los policías terminan acribillando a Monk, que se hacia pasar por un autor prófugo de la ley para ganarse al público. Es una película que también desnuda como los blancos americanos -editores, productores- celebran estos estereotipos, por una curiosa búsqueda de integración y de querer congraciarse con la gente de color, con lo popular de ellos. También porque estos estereotipos son muy imitados, la imagen de gángster, de rapero, incluso por los blancos y produce mucho dinero. 

sábado, 16 de marzo de 2024

Midnight Cowboy

Cowboy de medianoche (1969) del británico John Schlesinger, ganó 3 Oscars, mejor película, mejor director y mejor guion. El guion estuvo a cargo del americano Waldo Salt que ganaría un Oscar más por otro guion (Coming home, 1978) y fue nominado por lo mismo por Serpico (1973). Adapta la novela de idéntico nombre de James Leo Herlihy. El filme nos remite a la amistad de un puto, Joe Buck (Jon Voight), y un estafador de poca monta, Ratso (Dustin Hoffman). Joe viene del sur de Estados Unidos y quiere una vida fácil, no quiere un trabajo ordinario y cansado -como inicialmente, lavando platos-, cree que le irá mejor cumpliendo con los sueños húmedos de las señoras, pero en New York todo será distinto a lo que pensaba, no le será sencillo sobrevivir económicamente, ni siquiera laborar de puto como pensaba o creía que porque simplemente es un buen amante todo sería cuesta arriba, que sería bendecido de golpe al pisar la gran ciudad. Joe es un poco inocente, hasta se deja engañar, y para sobrevivir tendrá incluso que tener sexo con gays que son los que buscan mayormente a los putos.  A Joe esto no le gusta, pero parece que no le queda otra, es la dura realidad, vivir pobremente en New York donde Ratso prácticamente es un indigente y él le acompaña en esa existencia. Encima Ratso yace enfermo y sin poder curarse, además de que en realidad es un tipo ignorante y no tiene las mejores salidas mentales. El filme intenta ser algo innovador y se apunta a la movida independiente de fines de los 60s y comienzo de los 70s en EEUU, con fiestas donde se mezclan todos gracias a la apertura mental y deseo de experimentación de los jóvenes privilegiados neoyorquinos, provocando fiestas con un cierto toque freak. Joe yace en un tira y afloja, a veces le atina, pero luego cae en el abismo, es la idiosincrasia de los que no tienen futuro. Joe es un tipo muy simple y esto le hará pagar caro, en un lugar donde se rompen los sueños y a la gente frágil. Así también vemos gays que pasan por trances donde sufren para aceptar quienes son, por sus ansias sexuales, llegando hasta lo patológico y autodestructivo, y ahí se presta el relato para una escena muy fuerte de ver y de pensar, que traerá la tragedia, hacia ese final de perdedores hundidos en el infierno, con una mirada pesimista, en una New York de muchas caras, de privilegios, goces y juergas, de extravagancia, y también de gente que se queda en el camino. Es una historia triste, de un final que parece no ajustarse a como parte Joe, lleno de optimismo, aunque queriendo anclarse a una vida fácil y queriendo brillar con cierta velada corrupción disfrazada de aventura y apasionamiento tras lo sexual. Es el anhelo de la vida cool en el libertinaje que nos termina cobrando factura, aun cuando Joe como con Shirley (Brenda Vaccaro) de compañera sexual que le paga por sus servicios tendrá su momento de gloria, dando a pensar la posibilidad de que sus sueños inocentes pueden cumplirse, de vivir de mujeres adultas sexys o de muchachas rebeldes. 

jueves, 14 de marzo de 2024

A Dirty Story (Une sale histoire)

Ésta película de 1977 se divide en 2 cortos de 25 minutos cada uno. Lo dirige el francés Jean Eustache. El primer corto es la performance del segundo corto que es documental. Son casi idénticos. Es interesante observar, comparar, como Eustache adapta el segundo corto, como se percibe el primer corto. El primer corto tiene a un actor reconocido y de extensa carrera y por entonces ya muy experimentado pero no demasiado conocido tampoco por muchos, al menos no por los observadores casuales. Él es Michael Lonsdale y hace del amigo de Eustache en la vida real, Jean-Noël Picq. Picq ideó la historia y es más una anécdota y vivencia personal suya. En el corto documental Picq simplemente está en una sala conversando con sus amigos, hombres y mujeres de distintas edades, incluido entre los presentes el propio Eustache que apenas se le ve. En gran parte es un monólogo de Picq, pero luego sobre todo las mujeres debaten lo que ha contado. Su relato es sobre él mismo descubriendo un hueco secreto en la pared que le permite ver el baño de mujeres de una cafetería-restaurante. Gira alrededor de la fijación de ver vaginas, vulvas. Todo es diálogo, no hay imágenes de las partes intimas. En el trayecto Picq habla de asuntos morales, así como de las diferencias femeninas a raíz de las vulvas (y a lo que le da gran dimensión), de la seducción y la aventura, de lo doméstico o poco apasionante, de lo pervertido, de lo autodenigrante, del esfuerzo que paga más que lo fácil, de la igualdad y diferencia de géneros, de la humillación en la sintetización, de la vanidad femenina, del voyerismo desde varios ángulos, de la mala obsesión, de la animalización, hasta del machismo y el feminismo, etc, dentro de una anécdota muy rica en pensamientos y que se comprende perfectamente. Muchas de las mujeres presentes parecen ofendidas y lo atacan un poco, dentro de un ambiente educado. Picq responde como puede. El monólogo se presta para mucho debate. Aunque lo que hace Lonsdale está muy bien, hay pequeños detalles, como tics y cierto nerviosismo, movimientos más de reflejo, que denotan sin saber cual es actuación y cual es documental que la parte de Picq es la verídica, la parte de mayor naturalidad, y la imperfección más bien le ayuda. No obstante las diferencias son mínimas, incluso de quienes escuchan. Visualmente los cortos son un alarde de extrema austeridad, pero el relato en sí, el monólogo y el debate, es bastante seductor, así como el mecanismo de la imitación, y además está el reconocimiento del quehacer del propio cine. Es valioso ver como algo que como en Porky's (1981) puede ser aunque dentro de lo cómico, vulgar, aquí se convierte en algo intelectual, desde lo que anuncia el título, una historia sucia.