Cosmic Miniatures

Éste filme le pertenece al alemán Alexander Kluge que tiene actualmente 92 años de edad. Trabaja con la Inteligencia Artificial y es una película en buena parte de ciencia ficción, con muchas naves espaciales de fantasía imaginativa, bastantes menciones a extraterrestres, a animales fantásticos, y a montón de galaxias, astros y al cosmos en total libertad creativa, donde mezcla astronomía, astrología, matemática y ciencia ficción. El filme se basa en la exhibición a través de foto fija y es toda una extravagancia y tiene su gracia, sobre todo para cinéfilos curiosos y pacientes. Es una película de animación y por ende lleva mucha imaginación y ficción. Menciona lunas y planetas como hoteles, tiene una mirada muy futurista, muy libre, aunque la inteligencia artificial que usa para generar las ilustraciones y lo fantástico también tiene un toque como a borrador, pero sin duda, es una obra con su gracia, más allá de tener muy presente al autor, su recorrido, y a éste por una parte cine experimental. Igualmente se ve que Kluge se lo ha tomado muy relajado el asunto y se ha puesto a jugar con la computadora. Hay una parte que es astronomía real y habla de vuelos espaciales y la labor de conquistar el espacio, pero se deja llevar en demasía y mete mucha fantasía, es a todas luces un divertimento de cine arte minoritario. Hay mención documental o histórica a la perra rusa Laika, el primer ser vivo lanzando al espacio, alrededor de la tierra y que murió, pero sirvió para comprender que el ser humano podía resistir fuera de la tierra, y le rindieron un monumento. También vemos una parte científica con experimentos con gatos lanzados al espacio o entrenados para ello, y es un momento de inquietud, incómodo, puesto que nadie quiere ver animales lastimados o maltratados, y medio que el realismo europeo te pone tenso en pantalla. Pero Kluge no hace gala de sadismo disfrazado de realismo científico y pasa rápido y satisfactoriamente su propia prueba de empatía con el espectador, cosa que muchas veces pone a prueba puesto que su filme requiere de mucha paciencia, siendo un poco repetitivo, mostrando una gran seguidilla de fotos de ciencia ficción, proponiendo una narrativa escueta o elemental, como bien dice el título, se trata de miniaturas cósmicas, y en sí es una propuesta humilde, más allá de meterle matemática, pseudo ciencia y conocimiento de astronomía. En su mezcla de fantasía y el derroche futurista de la conquista del espacio es que se plantea un poco en la revelación, tras por un lado lo extraño, lo oculto al ojo común humano, pero lo hace de manera básica, y siguiendo un formato pseudo trascendental, propio lógicamente del sci-fi, pero que en realidad es manipular en plena libertad hasta lo lúdico la inteligencia artificial y lo que aguanta ser una animación con la que vamos a entretenernos y al mismo tiempo al mismo Kluge que nos sorprende a su edad, donde hace uso de humor además, pretendiendo ser cool, pero ¿por qué no? De eso va el cine en mucho, de seducir al espectador o un posible público con la libertad imaginativa y creativa del arte, y ahí también parece entrar la inteligencia artificial, si bien es algo aun en pos de perfeccionarse para que sea más disfrutable o más sustancial. Visualmente tiene cierta grandilocuencia aun tratándose de foto fija, pero carece un poco de mayor originalidad. No obstante hay muchos nombres de astros, miles de lunas, y galaxias que hasta apabulla en la inmensidad de lo que uno tiene o espera allá afuera. 

A paixão segundo G.H.

Ésta película del brasileño Luiz Fernando Carvalho presentada en el festival de Rotterdam 2024 adapta una novela de Clarice Lispector de mismo título. El filme es la introspección de una mujer de clase alta conocida simplemente como G.H., una escultura, que yace en su hermosa casa frente a la playa en la mayoría del metraje. El filme es un monólogo de ésta bella mujer interpretada por Maria Fernanda Candido en una performance muy exigente, donde exalta muchas emociones. La introspección es bastante ardua y compleja, es difícil de coger todo lo que pretende autoanalizarce y lo deja claro, cuando expresa, que no todo lo dice, es decir, hay mucha sugerencia, mucho quehacer gaseoso, no del todo especificado, y versa sobre un pasado que de cierta manera atormenta a la protagonista, que habla de un infierno del placer, pues ella asume el infierno como un lugar no de dolor sino de placer, y puede remitir a un pasado oscuro, de libertinaje, o de prostitución, donde habla de abortos. Es un filme muy interesante, donde Lispector denota ser una gran escritora, con un mundo muy personal, un fuerte mundo interior, donde alude incluso crisis mentales y hasta locura, delirio, histeria, cambios de estados de ánimo, perplejidad hacia el mundo y hacia la propia vida, como también con la relación de pareja, habiendo conflicto con una existencia con licencias y mucha libertad, señalando monotonía, pero al mismo tiempo dando a entender que ama a ese hombre con la que vemos tener sexo y dormir al lado. Implica también lucha de clases y diferencias sociales con la empleada negra recién despedida, la que le hace sentir un cierto estado de culpa, como de opresión hacia una clase más débil, y que coquetea un poco con cierto sutil erotismo, al mismo tiempo de sugerir violencia como dentro de una historia de terror, de un miedo personal exagerado, como así mismo vemos que una cucaracha despierta su psiquis y la hace meditar en demasía, como alguien que lleva un problema, aludiendo a Kafka, sintiéndose igualmente una cucaracha o una barata como dice en portugués. Hay un miedo a encontrarse con los errores del pasado, que guarda secretamente, pero esto le mortifica, así la vemos atravesar simbólicamente un encierro y hasta vacilar con un posible suicidio. Es una demostración de poder en nuestra contra y autocontrol, de no quebrarse y volver hacia ese futuro y esa esperanza que dice rechazar, puesto que observa a Dios en su presente a donde se siente ligada. La vemos divagar entre ser una socialité o caer en el abismo. Aceptar a su pareja o ir en busca de otra gente. Es la duda constante, el meditar cada cosa, con esa cucaracha y lo desagradable agrediendo su estabilidad, yendo y viniendo de su especie de infierno mental, donde observamos una mente inteligente, pero al mismo tiempo frágil e intensa, que va en detrimento de su propia personalidad, esa que parece haber mutado pero que se debate en poder caer en errores de antaño, frente a una vida cómoda económicamente en la actualidad en que vive y puede haber sido distinta antes. El filme es una explosión de muchísimas ideas que versan sobre la femineidad, sobre la independencia, la individualidad, el yo omnipotente puesto a prueba, es una mirada solitaria finalmente, con ese hombre que le acompaña pero yace en segundo plano, es ella frente a ella misma, frente a la cucaracha dentro del mundo social, viéndose reflejada en lo desagradable y barato o en choque con ello, que el filme de Carvalho sabe explotar con el detallismo y el "deleite" del insecto, convertido en radiografía. Es también una lección de creatividad artística, de conocernos o auscultarnos profundamente y concebir algo sumamente personal sin entregar todo servido. Sufrimiento existencial a la vena en un viacrucis seductor, intimidante y extenuante, como tremenda la entrega (hacia la liberación o expulsión), de éste especie de teatro unipersonal cargado de una amplia gama de emociones. 

Ramona

Ésta película del 2023 es de República Dominicana y le pertenece a Victoria Linares Villegas. Es un documental, un especie de filme preparación para hacer una ficción o juega a eso, a exponer la historia de un filme mediante detrás de cámaras, con una actriz entrevistando gente semejante a la protagonista que haría en el relato, Ramona, una chica morena de 15 años que ha quedado embarazada y sueña con ser actriz. Para ello 15 adolescentes participan como variantes de la misma Ramona mientras aportan sus historias de vida, que versan sobre el embarazo prematuro o en chicas que aun no están preparadas para ser madres pero deben asumirlo con entereza, crecer en el proceso. El filme pone diferentes situaciones que hacen de ensayo al que sería el relato de un posible filme de ficción. La actriz escogida o la primera opción entra en una peluquería y actúa como si estuviera embarazada. Ahí se habla de éste difícil trance, se menciona la responsabilidad que acarrea tener un bebé, como una joven debe hacerse la idea de ser madre tan pronto. En otros momentos se flirtea con el padre que hace de galán pasajero, dentro de la juventud y el hedonismo inconsciente. Bailan, se seducen, en un lugar tipo del campo, como en una verbena. Se hace un poco de teatro además, con las adolescentes de público analizando la situación que observan y las refleja. El filme trata de investigar sobre su personaje para crear realismo, pero a la hora de recrear se plantea como una especie de telenovela. La parte documental tiene a la actriz principal interactuando con el contexto, como yendo a comer a un lugar austero, puesto que el filme recrea la vida de una chiquilla humilde, y común y corriente. En medio del ensayo vamos conociendo los pormenores de la historia de Ramona, una chica afín a muchas, donde en la propuesta tenemos 15 opciones, 15 representantes, que actuarán también cumpliendo su sueño. De paso las adolescentes hablan de su situación y cómo documental sirve de conocimiento sobre el tema. Piensan el lugar en que se hallan, sin dramatismo, sino en tono relajado. En sí es un filme suelto, que no trata de marcar ninguna tragedia, sino la aceptación de algo inevitable, aceptarse madre antes de tiempo, aunque madre soltera, pero tampoco dejaran de soñar y lo que vemos es justamente participar de una película, donde todas son Ramona en la flexibilidad y variedad de la personalidad. La actriz principal hace bien su trabajo tratando de lograr concebir a Ramona, como la va moldeando con los datos recabados, el engreimiento, la inmadurez, y así cada detalle separado que presenciamos iremos pegándolo para armar el panorama que es algo sencillo como para identificarse fácilmente. Formalmente no existe una película de ficción de cine arte, tira más a telenovela, pero como documental de ensayo making of lo hace bien, sumando análisis del embarazo de las adolescentes dominicanas, sin juzgarlas negativamente, sin ahondar en las culpas, sino comprendiéndolas, proponiendo amistad, y hasta dando cabida para que puedan no solo ser madres responsables, sino que puedan ser felices con sus cosas propias. Es un filme que busca emparentarse, no juzgar que han cometido un gran error, queda sobreentendido, y se prefiere incluso un poco de juego, de intrascendencia. Es comprender la inmadurez de la edad, pero se percibe ligereza. La falla es también la ausencia de una mejor comunicación con los padres -esperando no tener malos padres-, más noción de ésta situación, de las relaciones sexuales. Pero aquí se propone desde otro ángulo, como algo recurrente y busca la propuesta brindar un apoyo de semejante. Pero apoyemos también con prevención y confianza con los padres, luego por los maestros, y no tener así adolescentes que tengan que recién aprender de la vida, madurar, tras ya estar metidas en el error. 

La vida a oscuras

Éste documental del argentino Enrique Bellande nos enseña la labor de Fernando Martín Peña, coleccionista de películas en fílmico, que a falta de cinemateca es como que Peña es en cierta manera una pequeña cinemateca nacional, usando su colección privada de películas para proyectarlas públicamente, donde él mismo es el proyeccionista, igualmente las presenta y hasta quien recibe a la gente que asiste a ver sus proyecciones. Lo vemos cómo consigue su material, que es prácticamente desechado en primera instancia y él lo recoge, lo arregla y lo conserva en su propio hogar, en una época que ha cambiado, convirtiendo todo a digital y ya muriendo un poco el fílmico o yendo hacia su declive, pero Peña es alguien que trata de resistir el cambio, aunque se encierra a ver en su casa las películas, como uno hace así mismo con el streaming. Martin Peña se ha ganado el cariño del público argentino con el trato directo, como de quienes llegan a conocer de su pasión por el séptimo arte, también porque conduce un programa de tv dedicado al cine llamado Filmoteca, temas de cine, que conduce en tv pública ya rumbo a las 2 décadas. En la propuesta de Bellande vemos de manera muy práctica a Peña haciendo su labor, cero disfuerzos ni grandilocuencia, con la documentación de cada paso a paso de lo que realiza. Es un filme que trata de ser muy visual y no demasiado verbalmente explicativo en ese trayecto de comprender la dedicación de Peña y el proceso de recuperación y conservación al que se entrega. Pero además Martin Peña suele ser un buen conversador, mostrando además dotes de crítico, al ser conocedor profundo del material con el que trabaja donde asoman rarezas y también hasta dibujos animados pioneros y básicos, pues Martin Peña es un coleccionista todo terreno. Se le nota un buen tipo, muy sencillo, alguien que de verdad ama el cine, que como bien dice, qué bueno que de cierta manera el cine sea infinito y nunca uno deje de aprender y conocer, es un mundo de eternas novedades. Ésta pasión le viene desde niño por su padre y así mismo por el fílmico. Por ésta propuesta pasan películas memorables que observamos programadas en salas de exhibición por Peña hasta algunas difíciles de encontrar, un lujo gracias a éste coleccionista, sobre todo al estar en fílmico existiendo siempre muchos amantes de los ritos de siempre, con un Peña que trata de mantener la tradición del uso del material de antaño para proyectarlo pacientemente de manera clásica en una sala de cine, donde suele llenarlas o brindarse a los cinéfilos más hardcore, como él mismo lo es, sin ningún tipo de sobredimensión, sino siempre próximo y real, sorprendiendo al público con su criterio de programación. Incluso nuestro protagonista tiene muy claro el futuro, tal cual el filme (que ha tomado buen tiempo en concretarse), alguien como todos, uno de nosotros, dirían, palpando que respira cine, ama de verdad lo que hace mientras es especial en su contribución a la cinefilia argentina, y no porque todo sea perfecto o nos venga como anillo al dedo -como llega a decir sutilmente, ya que ser sociable es un trabajo también-, sino porque el que ama lo hace con todo el paquete y ahí finalmente tras la luz, tras la imagen en el ecran, yace la mirada feliz, cómplice, que se multiplica. 

Garrincha - Alegria do Povo

Éste documental es el debut del brasileño Joaquim Pedro de Andrade. Es de 1963 y está calentito cuando el delantero derecho Manuel Francisco dos Santos, alias Garrincha, apodo que proviene de un ave como un ruiseñor que es oriundo de América, estaba en su máximo momento de gloria futbolística. Un año atrás había sido nombrado el mejor jugador del mundial de 1962 donde Brasil ganó el título y era la segunda vez consecutiva que Brasil ganaba un mundial gracias a su talento. Tanto en el mundial de 1958 como el de 1962 estuvo presente el mejor futbolista de la historia, Pelé, que debutó en un mundial con 19 años, pero Garrincha hizo más en estos 2 primeros mundiales, si bien Pelé destacó también, y ya en 1970 se luciría sin Garrincha con un nuevo título para Brasil. El documental de Pedro de Andrade como está calentito y el fútbol es un deporte que despierta pasiones y fanatismos no se manifiesta muy explicativo, sino asume que uno sabe mucho de Garrincha, entonces simplemente pone en movimiento la cultura del fan, le habla más al que lo conoce celebrando con éste público un homenaje a su figura de futbolista excepcional, uno de los mejores futbolistas de la historia. Se dice que tenia aves de mascotas, y se alude indirectamente a su sobrenombre. Hay mucha foto fija y bastante material de archivo de lujo para observar toda esa grandeza que tenía éste futbolista en la cancha, quien sabia hacer bailar a sus contrincantes como el mejor regateador de todos, que por sus piernas torcidas no sabían porque lado iba a tirar a correr o pasar la pelota. Ese es otro punto que habla de alguien especial, la anatomía de Garrincha no apunta al cuerpo natural o ideal que va a brillar en éste deporte, sino estaba lleno de imperfección, sin embargo como el talento no conoce reglas ni límite alguno se paso por alto todo lo que apuntaba en su contra, se volvió excepcional contra todo pronóstico. Otra cosa es que Garrincha era muy carismático, un tipo del pueblo, salido de abajo, y  siempre lo llevo consigo, generaba mucha empatía. A donde iba lo seguían, se amontonaban a su alrededor, como se pone a prueba en la propuesta. Los niños lo rodeaban, los adultos querían abrazarlo, darle la mano. Lo llamaban por ello la alegría del pueblo, por todo lo que se entregaba y conseguía en la cancha. Así vemos literalmente por el final, en el desarme y en la total complicidad del estadio, los marcados estados de la existencia, Garrincha despertaba fuertes pasiones, cundía de emociones al público que reaccionaba desde lo más profundo. El documental exhibe con gran perfección esa devoción del fanático alrededor de su ídolo. Hay consistente tiempo, bien dosificado, muy bien invertido, donde la cámara construye un hermoso resumen, dejando ver la técnica de Garrincha y es poesía visual. Cogemos su magia en estado puro con el dominio de su cuerpo. El filme no habla de nada negativo, puesto que es hasta 1963, Garrincha era el hombre que daba la hora, al que todos adoraban y admiraban, dentro del deporte más popular del mundo. Lo observamos entrenando y jugando en su primer club profesional, el Botafogo. Así mismo se pasa revista a la empresa textil de su lugar natal, Pau Grande, Magé, donde trabajaban todos los de la zona, donde estuvo junto con los amigos de toda la vida. En éste trabajo le solían perdonar que sea un poco flojo porque los fines de semana hacia ganar siempre al equipo de fútbol de la empresa. Lo vemos jugar a lo paradisiaco con la gente de su infancia, enrumbados hacia los 30. Igualmente contento con su familia, con sus 7 pequeñas hijas con las que echa a bailar, con esa festividad que le solía acompañar. El filme es una celebración del amor por el deporte. 

American Fiction

American Fiction (2023) debut del americano Cord Jefferson adapta la novela Erasure (2001) de su compatriota Percival Everett. Ésta propuesta ganó mejor película en el TIFF 2023, que es un premio prestigioso y curiosamente toda la gente asistente a las sesiones es la que vota, es un premio del público. En la historia tenemos a Thelonious "Monk" Ellison (Jeffrey Wright), un escritor sofisticado que no tiene mucho público, prácticamente es un desconocido. Un día se da cuenta que hay una escritora, Sintara Golden (Issa Rae), que trabaja con los estereotipos de los afroamericanos y es muy popular y exitosa. A él le molesta que a los afroamericanos se les encasille en su peor imagen, rodeados de crimen y sufrimiento a esa vera, siempre gángsters, siempre raperos. Monk incluso expresa muy audazmente que más que encasillarse en ser denominados afroamericanos, deberían verse más allá, como principalmente norteamericanos y buscar destacar, proponer complejidad, intelectualidad y brillar de esa manera. Monk se molesta y hace un libro al estilo de los estereotipos de los afroamericanos y lo hace con humor negro, pero ¡oh sorpresa!, empieza a tener relevancia, popularidad, lo empiezan a convocar de todas partes. Producto de esto puede estar cerca de Sintara y se da una gran conversación entre ellos, poniendo los distintos puntos de vista sobre la palestra, es así que éste filme si bien es más cómplice de Monk, da espacio para las opiniones opuestas. Igualmente la novia de Monk, Coraline (Erika Alexander), discute opiniones opuestas con Monk que es un tipo muy inteligente, pero también algo distante por ello del resto y choca a menudo con el mundo. Coraline es una mujer educada e inteligente, pero sí da cabida a lo popular, a esos lugares comunes que Monk detesta y siente que limitan el progreso y la mirada de su gente. Monk es un tipo intelectual de buena posición social, educado, de buena familia, no es rico, pero vive muy bien. El filme también muestra empatia de a pie con el público, con problemas familiares, gente que nos deja o gente que se va deteriorando por la edad, también hay momentos dulces y empáticos con la nana de Monk, Lorraine (Myra Lucretia Taylor), y con el hermano de Monk, Clifford (Sterling K. Brown), sobre su identidad sexual. Es una película que busca la sofisticación de la gente de color, pero también muestra la bella simpleza de nuestra humanidad, no es que se distancie de la gente, pero quiere también que vean más allá, que no se les encasille, de esa manera tan vulgar y simplista en las acciones, todo visto como un gángster, como alguien irreverente que no sigue reglas y lo hace de la manera más plana y criminal, tal lo define la discusión del metacine pues ésta propuesta que vemos se refleja a su vez como la película de un guion de Monk, donde los policías terminan acribillando a Monk, que se hacia pasar por un autor prófugo de la ley para ganarse al público. Es una película que también desnuda como los blancos americanos -editores, productores- celebran estos estereotipos, por una curiosa búsqueda de integración y de querer congraciarse con la gente de color, con lo popular de ellos. También porque estos estereotipos son muy imitados, la imagen de gángster, de rapero, incluso por los blancos y produce mucho dinero. 

Midnight Cowboy

Cowboy de medianoche (1969) del británico John Schlesinger, ganó 3 Oscars, mejor película, mejor director y mejor guion. El guion estuvo a cargo del americano Waldo Salt que ganaría un Oscar más por otro guion (Coming home, 1978) y fue nominado por lo mismo por Serpico (1973). Adapta la novela de idéntico nombre de James Leo Herlihy. El filme nos remite a la amistad de un puto, Joe Buck (Jon Voight), y un estafador de poca monta, Ratso (Dustin Hoffman). Joe viene del sur de Estados Unidos y quiere una vida fácil, no quiere un trabajo ordinario y cansado -como inicialmente, lavando platos-, cree que le irá mejor cumpliendo con los sueños húmedos de las señoras, pero en New York todo será distinto a lo que pensaba, no le será sencillo sobrevivir económicamente, ni siquiera laborar de puto como pensaba o creía que porque simplemente es un buen amante todo sería cuesta arriba, que sería bendecido de golpe al pisar la gran ciudad. Joe es un poco inocente, hasta se deja engañar, y para sobrevivir tendrá incluso que tener sexo con gays que son los que buscan mayormente a los putos.  A Joe esto no le gusta, pero parece que no le queda otra, es la dura realidad, vivir pobremente en New York donde Ratso prácticamente es un indigente y él le acompaña en esa existencia. Encima Ratso yace enfermo y sin poder curarse, además de que en realidad es un tipo ignorante y no tiene las mejores salidas mentales. El filme intenta ser algo innovador y se apunta a la movida independiente de fines de los 60s y comienzo de los 70s en EEUU, con fiestas donde se mezclan todos gracias a la apertura mental y deseo de experimentación de los jóvenes privilegiados neoyorquinos, provocando fiestas con un cierto toque freak. Joe yace en un tira y afloja, a veces le atina, pero luego cae en el abismo, es la idiosincrasia de los que no tienen futuro. Joe es un tipo muy simple y esto le hará pagar caro, en un lugar donde se rompen los sueños y a la gente frágil. Así también vemos gays que pasan por trances donde sufren para aceptar quienes son, por sus ansias sexuales, llegando hasta lo patológico y autodestructivo, y ahí se presta el relato para una escena muy fuerte de ver y de pensar, que traerá la tragedia, hacia ese final de perdedores hundidos en el infierno, con una mirada pesimista, en una New York de muchas caras, de privilegios, goces y juergas, de extravagancia, y también de gente que se queda en el camino. Es una historia triste, de un final que parece no ajustarse a como parte Joe, lleno de optimismo, aunque queriendo anclarse a una vida fácil y queriendo brillar con cierta velada corrupción disfrazada de aventura y apasionamiento tras lo sexual. Es el anhelo de la vida cool en el libertinaje que nos termina cobrando factura, aun cuando Joe como con Shirley (Brenda Vaccaro) de compañera sexual que le paga por sus servicios tendrá su momento de gloria, dando a pensar la posibilidad de que sus sueños inocentes pueden cumplirse, de vivir de mujeres adultas sexys o de muchachas rebeldes. 

A Dirty Story (Une sale histoire)

Ésta película de 1977 se divide en 2 cortos de 25 minutos cada uno. Lo dirige el francés Jean Eustache. El primer corto es la performance del segundo corto que es documental. Son casi idénticos. Es interesante observar, comparar, como Eustache adapta el segundo corto, como se percibe el primer corto. El primer corto tiene a un actor reconocido y de extensa carrera y por entonces ya muy experimentado pero no demasiado conocido tampoco por muchos, al menos no por los observadores casuales. Él es Michael Lonsdale y hace del amigo de Eustache en la vida real, Jean-Noël Picq. Picq ideó la historia y es más una anécdota y vivencia personal suya. En el corto documental Picq simplemente está en una sala conversando con sus amigos, hombres y mujeres de distintas edades, incluido entre los presentes el propio Eustache que apenas se le ve. En gran parte es un monólogo de Picq, pero luego sobre todo las mujeres debaten lo que ha contado. Su relato es sobre él mismo descubriendo un hueco secreto en la pared que le permite ver el baño de mujeres de una cafetería-restaurante. Gira alrededor de la fijación de ver vaginas, vulvas. Todo es diálogo, no hay imágenes de las partes intimas. En el trayecto Picq habla de asuntos morales, así como de las diferencias femeninas a raíz de las vulvas (y a lo que le da gran dimensión), de la seducción y la aventura, de lo doméstico o poco apasionante, de lo pervertido, de lo autodenigrante, del esfuerzo que paga más que lo fácil, de la igualdad y diferencia de géneros, de la humillación en la sintetización, de la vanidad femenina, del voyerismo desde varios ángulos, de la mala obsesión, de la animalización, hasta del machismo y el feminismo, etc, dentro de una anécdota muy rica en pensamientos y que se comprende perfectamente. Muchas de las mujeres presentes parecen ofendidas y lo atacan un poco, dentro de un ambiente educado. Picq responde como puede. El monólogo se presta para mucho debate. Aunque lo que hace Lonsdale está muy bien, hay pequeños detalles, como tics y cierto nerviosismo, movimientos más de reflejo, que denotan sin saber cual es actuación y cual es documental que la parte de Picq es la verídica, la parte de mayor naturalidad, y la imperfección más bien le ayuda. No obstante las diferencias son mínimas, incluso de quienes escuchan. Visualmente los cortos son un alarde de extrema austeridad, pero el relato en sí, el monólogo y el debate, es bastante seductor, así como el mecanismo de la imitación, y además está el reconocimiento del quehacer del propio cine. Es valioso ver como algo que como en Porky's (1981) puede ser aunque dentro de lo cómico, vulgar, aquí se convierte en algo intelectual, desde lo que anuncia el título, una historia sucia. 

Save the Green Planet!

Save the Green Planet (2003) es el debut del coreano Jang Joon-hwan y es una de las películas más celebradas del último cine coreano. Es un filme que maneja diversidad expositiva, es por una parte una sátira de ciencia ficción, y también es un thriller clásico coreano de los muy buenos, teniendo mucha fama como país al respecto, y por último plasma mucha extravagancia e irreverencia pero de la buena, de la que se llega a comprender y a ser uno cómplice. El filme tiene de protagonista a Lee Byeong-gu (Shin Ha-kyun), un chico estudioso de los aliens que cree firmemente que los extraterrestres están por invadir y destruir el planeta. Para eso hay extraterrestres encubiertos como personas en la tierra desde hace tiempo y nuestro protagonista piensa que uno de ellos es Mr. Kang Man-shik (Baek Yun-shik), un empresario super conocido y millonario quien según Byeong-gu va a recibir a los aliens. Es entonces que Byeong-gu lo secuestra y lo lleva a su hogar que está muy bien camuflado en el campo. Era un sauna y baño para mineros, luego un centro de apicultura, lugar que es como un bunker que Byeong-gu ha acondicionado para poder torturar en plena libertad -más tremendo humor negro y mala sangre- al empresario, quien es un hueso duro de roer y en lugar de estar blandito, yace fiero y retador como un león, aun bajo las circunstancias de hallarse atrapado por un especie de demente que está segurísimo de que es un extraterrestre y donde entra a tallar una comedia muy satírica. A Byeong-gu lo acompaña su novia en su secuestro macabro, una gordita, equilibrista de un circo, Su-ni (Hwang Jung-min), que también se presta para el humor negro y la consabida tortura y quien adora a su pareja y le es leal radicalmente, sin límite alguno, habiendo una historia de amor freak entre ellos. La cosa se pone perversa cuando detrás de todo hay un asesino en serie y un quehacer oscuro que hacen del presente un thriller en toda regla. Para eso entra a tallar un policía de esos admirados o de culto pero oficialmente losers, el inspector Choo (Lee Jae-yong), quien emprende por su cuenta y astucia la búsqueda del empresario. El momento que descubre la casa aislada de madera como en una pradera y en altura es como si una película de terror le diera la bienvenida y al espectador. Al inspector Choo le dice un joven oficial y fan, como bromeando, que parece un vagabundo, se ve un poco descuidado, y en sí tiene un aspecto bastante peliculero, en un filme que tiene un lado bastante cool hedonista, pero acompañado de otras expresiones y estéticas. A Byeong-gu se le suma un background sólido, interesante y curioso, que le da ambigüedad moral y mucha libertad al mismo tiempo, donde representa la crueldad y también una cierta lastima, y a la vez pivotea como el salvador improbable a lo Taxi Driver (1976). Es una película que nunca deja de presentar novedades, como cuando surge humor naif y terror al tapar pistas. Los personajes del filme son al estilo coreano, siempre algo descocados e intensos, de los que no temen ser perversos y al mismo tiempo cómicos o hasta lastimeros, o perversos con el humor. Es una película que no tiene pierde, que es un viaje rocambolesco de los valiosos, que se toma mil riesgos pero que da en el clavo y nada en la empatía, consiguiéndolo sin entregarse fácilmente. 

The Zone of Interest

La zona de interés (2023) del británico Jonathan Glazer es una película sobre los nazis y el holocausto, y uno diría, ¿una película más de nazis?, y sí, pero tiene originalidad y es una buena película. El filme se plantea sobre una idea, mostrar a una familia de clase alta alemana viviendo en la ciudad de Auschwitz, Polonia, en plena segunda guerra mundial. Todos ellos se comportan como una familia amorosa y amable entre sí, cuidan de los niños, son dulces con los perros, tienen sirvientes y cierto refinamiento intrínseco, cuidan del jardín, aman las plantas, y tienen una casa muy bella y muy cuidada. Pero también se muestra que no son cualquier gente, son nazis, y no sólo eso, se trata de que el patriarca de la familia fue un importante nazi real, Rudolf Hoss (Christian Friedel), el comandante y jefe del complejo de campos de concentración y exterminio de Auschwitz y que en la película lo vemos ejercer esa labor, pero dejando mucho en fuera de campo o haciéndolo bajo la sugerencia o solo con pequeños destellos. La idea es ver que vivían normalmente, muy tranquilos e indiferentes al horror de su gestión, de la guerra, del nazismo y del exterminio de judíos y de disidentes a su régimen. No obstante hay momentos donde se deja ver que eran personas horribles, terribles, como cuando la esposa de Rudolf, Hedwig, interpretada por la talentosa Sandra Huller, dice entre risas que a ella la conocen como la reina de Auschwitz, vanagloriándose de la brutalidad, perversidad y maldad que significa éste lugar, dicho de manera inocente, y frente a su propia madre. Huller imita a una alemana de gestos toscos, de andar rústico, de maneras poco finas, aun siendo alguien de alta sociedad. Huller deja ver claramente que busca crear una personalidad a través del movimiento del cuerpo. Existen momentos poco sutiles, como cuando Ruldolf y Hedwig se mandan sugerencias sexuales a través de la mención de los chanchos, al estar echados en sus camas de noche, pero en sí el filme quiere dejar en evidencia que ésta gente era de la peor calaña, lejos de cualquier cargo de consciencia, culpa o vergüenza en sus actos, y uno los percibe como notoriamente repudiables y hasta insoportables -a pesar de cierta sutilidad visual en su gestión-, habiendo un buen trabajo logrando materializar sus actos oscuros con sus personalidades, aun cuando son capaces de amar mascotas y embellecer un jardín, o administrar con normalidad un hogar, si bien sus vidas no eran nada convencionales como cuando aflora el vomito en la garganta de Rudolf -queriendo algo incomodarlo, molestarlo y/o llamar su atención-, y al rato vemos el museo que conmemora el millón de muertos en Auschwitz. Glazer encuadra en toma general a Rudolf saliendo muy tranquilo y muy serio hacia el trabajo, como algo común y no lo es, se entiende el horror de la normalización de la maldad. Así vemos semejante a una reunión ordinaria de negocios a los nazis discutiendo sobre como manejar el exterminio. Glazer empareja cosas comunes a la vida y gestión de los nazis y produce impacto, incomodidad y reflexión, también empatía y entendimiento del espectador con ésta denuncia de inhumanidad y brutalidad, aunque uno debe reflexionar de manera general y ver con humanidad no solo a unos pocos sino a todos los seres humanos en estado de abuso, y buscar desterrar la perversidad y el horror en general, del planeta, tal así de tantos crímenes de guerra. Es notorio ver que ésta importante familia nazi -que seguían comandos superiores, a los que querían halagar- estaba únicamente pendiente de sus vidas, alejados de la realidad de los demás y hasta convirtiendo el mundo en un lugar más pútrido. Ésta propuesta hace pensar en una lectura de la opulencia frente a la pobreza de La Tierra, no solo económica y de subsistencia, sino en referencia a actos corruptos, que deben sancionarse o eliminarse, aun cuando es un trabajo titánico frente a nuestra predisposición a ejercer el mal o a cegarnos o a equivocarnos, habiendo llegado a la putrefacción que fue lo nazi que regentaron por buen tiempo proclamando la peor perversidad. 

Miracle Mile

Miracle Mile (1988), es una joyita ochentera, dirigida por Steve De Jarnatt, quien solo ha realizado 2 largometrajes. Tenemos al actor Anthony Edwards como protagonista, al Goose de Top Gun (1986), quien una madrugada, como a las 4:00 am, coge el teléfono público y escucha una conversación ajena. Ésta habla de que va a haber una guerra nuclear y Los Angeles -donde se encuentra- va a ser bombardeada dentro de tan solo unos 70 minutos. Todo parece una mala broma, pero Harry Washello (Anthony Edwards) se lo toma al pie de la letra y entra en cierto pánico, sobre todo cuando acaba de conocer a la que considera el amor de su vida, a Julie (Mare Winningham). Lo primero que hace es entrar a su cafetería habitual -que es muy conocida en L.A. y así hay varios lugares reales y populares que utiliza el filme- y contar lo que acaba de oír, provocando alboroto, un alboroto que tiene de histérico y muy histriónico (aunque lógico dentro luce algo exagerado, o quizá típico del americano común, momento que colinda con cierto cine B, habiendo borrachos y travestis en el lugar), de bastante crispado, donde entre los presentes hay alguien del gobierno y medio que corrobora con sospechas lo que les cuenta Washelo. Es entonces que los presentes planean rápidamente fugarse al polo sur, a la Antártida, ir al aeropuerto, y suben en un camión y pegan tremenda corredera, movilizando inmediatamente bastante adrenalina, notable ritmo, y acción y energía típica ochentera. No obstante Washelo tiene que avisar a su "novia" y ahí empiezan otras aventuras, a lo After Hours (1985), al saltar fuera del camión. Inclusive entre las aventuras se les prende fuego a dos policías, en una escena super políticamente incorrecta, con un afroamericano joven justificándose de la manera más banal y de la peor irreflexión que colinda con el humor negro, totalmente fuera de lugar o, mejor dicho, de lo habitual. Es un filme que artísticamente es muy libre, muy independiente, y está muy bien hecho como cine ochentero, cine de entretenimiento puro y duro, pero con inteligencia. Lo más genial del asunto es que en efecto el ataque nuclear es real, aun con esa llamada tan light detrás, que no importa porque el entretenimiento si es bueno rompe todas las reglas, y llegamos a participar de ese ataque nuclear, con L.A. de escenario ingresando en el caos absoluto, en la desesperación de la gente común por hallar una salida, huir, salvarse, sin existir ningún plan del gobierno que a último minuto anuncia lo que va a suceder. Washelo empieza a correr literalmente por las calles, que vemos en amplias tomas contextuales, en busca de un piloto de helicóptero, y éste lo encuentra en la performance de Brian Thompson, el mítico antagonista de Cobra (1986). Surge el despelote que está escenificado magníficamente, con buenos efectos especiales y tomas creativas como cuando Washelo se arrastra al ras de los vehículos atorados y caen muertos cerca o cuando subido sobre un auto observa el estado de locura general, de los saqueos, disturbios e incendios. Primero es un chisme que brota como popcorn y luego la realidad misma. El final es de antología, uno original y hasta atrevido. No es una película demasiado conocida, pero realmente vale la pena visionarla, a más de uno le va a sorprender. 

Poor things

Poor things (2023), del griego Yorgos Lanthimos, ganó el león de oro, máximo premio del festival de Venecia 2023. Adapta la novela de 1992 de mismo título del escocés Alasdair Gray. El guion es del australiano Tony McNamara, con quien Lanthimos ya trabajó en su anterior película, La favorita (2018), la que estuvo nominada a 10 Oscars, incluido mejor película, guion y director, y ganó uno para la actriz Olivia Colman. Lanthimos ya es bien conocido internacionalmente y es uno de los más llamativos directores de cine popular que tienen prestigio artístico. Ésta vez ha hecho un filme bastante fácil de entender, hasta se diría que apunta abiertamente a un público masivo, a un público esencial, pero con la salvedad de que hace un cine con bastante sexo, con muchos desnudos de Emma Stone, hasta completos frontalmente y lleva escenas sexuales de soft porn, no explícitas, que trabajan con la prostitución de su protagonista, Bella Baxter (Emma Stone), una mujer que empieza suicidándose rodeada de un pequeño misterio que luego se desentrañara y que es revivida a lo Frankenstein de Mary Shelley de la que bebe bastante, por el científico y médico Godwin (Willem Dafoe), quien está desfigurado y lleno de cirugías en el rostro. Esto remite a la crueldad de su padre, y con él, Yorgos, declara que lo no convencional no siempre es positivo, sino a veces tal cual lo dice, hay mejores cosas, más fáciles de identificar y de paso agradecer, como con el amor, así lo representa el lado paternal de Godwin con Bella, llamado con obviedad God (Dios). Y ésta es una película que en muchos ratos lo es, ser bastante obvia, como con su feminismo y su progresismo abierto y altisonante que de eso va el viaje de autodescubrimiento y autodefinición de Bella, de un feminismo muchas veces subrayado, muy liberal, hasta defender la prostitución de cualquier mujer, habiendo lesbianismo incluido dentro de la normalidad de la amistad femenina y una relación abierta donde la mujer tiene permitido engañar sexualmente al marido, al ayudante de Godwin, Max Candles (Ramy Youssef) que pone cierta comicidad ligera en su figura de nerd aunque atento a su entorno -como salido de la mente de Mel Brooks-. Y de la misma manera tenemos una extravagancia light -tal es así lo del inicio en blanco y negro, la presentación naif y de cierto retardo de Bella, que luego se explica bien-, pero acompañada de mucha sexualidad, que pone la nota clásica del modernismo último. Hasta se puede ver algún momento de incomodidad en Emma Stone, ese del sadomasoquismo con desnudo frontal. No obstante Stone se entrega por completo a su papel, a una película en parte como salida de la Europa menos turística, si bien el filme hace uso de Portugal, Grecia y París de escenario, como parte del autodescubrimiento de Bella, que a ratos filosofa sobre la vida, incluso sobre la corrupción, en varias formas, de los ricos y poderosos, pero proclamando un socialismo medio chistoso o sin profundidad. No pretende nada como ideología política, pero con el feminismo lo hace con furia, con alevosía. De ésta manera se hace uso del personaje de Duncan Wedderburn (un estupendo Mark Ruffalo), punching bag que invoca al machismo o patriarcado. Ya con el personaje del General (Christopher Abbott) es la cereza del pastel en cuanto a dibujar enemigos del feminismo, pero lo hace con subrayado, con obviedad y con una comedia en esa línea. Es un filme que denota exageración en sus defensas y visto de lo que va entretiene. La sexualidad se amolda al uso, a estos postulados exagerados. Se puede leer que la propuesta quiere a ratos ser políticamente incorrecta, pero todo ya es super conocido en la actualidad, incluso apunta a un público masivo que es fácil de enamorar con éste producto. Así mismo Lanthimos ha expresado que ha logrado que Hollywood nuevamente muestre sexualidad en la gran pantalla. Un pequeño personaje bastante atractivo a mencionar es el de Madame Swiney (Kathryn Hunter) que es una persona perversa y corrupta, hasta le gusta morder por placer, pero Bella no la lapida ni la juzga, sino parece aceptar prácticamente a todo el mundo (y ya se ve que puede discernir), mientras no limiten nunca su libertad, su liberalidad y su búsqueda open mind, puesto que se manifiesta que gente de todo tipo le sirven para su iluminación, igual que las experiencias negativas, hasta humillantes y de degradación, en ésta historia de desarrollo conceptual con ciertas defensas debatibles, en el interior de una mente abierta al feminismo más radical si bien no todos los feminismos son iguales, mostrándolo de la manera más sencilla, pero con estéticas y momentos con una cuota personal aun así, pretendiendo actualizar si se quiere el trabajo de Mary Shelley o queriendo darle agregados modernos últimos. 

The Base

Ganadora de un premio en el 45 festival Cinéma du Réel 2023, prestigioso festival francés especializado en documental, fundado hace 46 años. Nos ubicamos en el aeropuerto de Roissy, el aeropuerto de París, Charles de Gaulle. Dirige su primer largometraje el judío letón Vadim Dumesh. Dumesh dirige, da algunas pequeñas pautas, a taxistas que estacionan en la parte trasera del aeropuerto, para que filmen su día a día a través de sus smarthphones. Los protagonistas son 3 taxistas en especial. Uno es un marroquí (Ahmed), otra una mujer de Laos, y un viejo francés (Jean Jacques). Es un documental que al estar grabado por gente inexperta y con teléfonos tiene lógicamente una estética a ratos con ciertas fallitas visuales, pero en general está muy bien realizado, desde un filme de bajo presupuesto. Los taxistas dentro de todo filman decentemente. Dumesh hace un buen trabajo guiándolos, produciendo, editando, haciendo tomas de refuerzo, postproduciendo éste documental cooperativo. Se pueden palpar muchas cosas de la idiosincrasia de la labor de taxista y más allá, de parte de la sociedad francesa, desde una mirada de inmigrante, ya que mayormente esos son a quienes miraremos, poniendo la lupa en Europa donde hay actualmente mucha migración africana y árabe. De ésta manera apreciamos cómo son, cómo se comportan, parte de su propia cultura, incluso de sus personalidades peculiares, cómo gastan el tiempo, cómo piensan, cómo se distraen y comparten entre sí. No es una obra que hable del cliente o el pasajero, u observarlos en esa acción de transportar gente, sino se enfoca en el taxista, en la persona que es, y como mata el tiempo en la trastienda del aeropuerto. Se ven a muchos musulmanes rezando (hay un espacio grande acondicionado rústicamente para ello), se ve un lugar donde se juegan bochas, ping pong, se hace pesas, se alquilan sastres, se come comida rápida. Lo que presenciamos es de aspecto austero, bastante humilde, es un panorama contrario a la opulencia europea que se muestra al turismo o la muestra de un primer mundo. Hay una remodelación de la edificación del parqueo de los autos y los taxistas se ven afectados. Ya hablan de que sienten próximo que el mundo va a prescindir de ellos, poco a poco lo ven avanzar así, asumen la tecnología como una amenaza de quienes son, se manifiesta una tendencia a ser clásico, por eso detestan los aplicativos para llamar taxis y a quienes los usan. Se oyen anécdotas, bromas, también hay una cierta seriedad, muchos no gustan de que los graben, miran desconfiados, no todos se conocen, hay muchos taxistas. Una peculiaridad es que Ahmed gusta de plantar arbolitos en zonas digamos poco agraciadas, como quien quiere sembrar belleza y optimismo, aun cuando a ratos sufre de melancolía. Extraña Marruecos, lo rural, que aunque es un país con muchas menos oportunidades, la sienten más cálida entre su gente, porque el lugar que nos identifica es más que sentimentalismo. Pero, claro, la necesidad de alimento, estudios, cosas materiales, una mejor vida, hace que forzosamente tengan que emigrar. Su esposa señala a la melancolía como parte típica de su existir, quizá del taxista inmigrante y/o del matrimonio que pasa penurias económicas. No obstante Ahmed trata de estar alegre y atento a su entorno, pero algo choca ser parte de la cadena baja. Una mujer negra risueña llama a Jesús un inmigrante (en Roma), proponiendo una identificación que los reivindica a todos ellos, frente a un elíptico cotejo de una cierta tendencia a verlos mal. No es una exposición que los embellezca, sino ellos mismos muestran sus personalidades y queda muy realista. No se fuerza nada, el documental luce natural, que hasta hay grabaciones bastante simples. Tampoco se exhiben huelgas o protestas violentas, pero se percibe sutilmente el reclamo de algunas cosas, en un país donde se pelean los derechos y reivindicaciones sociales con fuerza y a menudo. En la propuesta de Dumesh -desde los propios inmigrantes- vemos gente en su mundo -mental, cultural y social-, haciendo lo suyo -luchando la vida, pero además relajándose-, dentro del mecanismo general, del orden de la sociedad francesa.