Apuntes para una película de atracos

Documental perteneciente al español León Siminiani. Es un filme simpático, que se disfruta, es  ágil e interesante a la vez. Tiene como protagonista a un atracador de bancos que yace preso pero como no usó violencia explícita está condenado a menos de 10 años, y tiene permisos. El atracador conversa con el director, hay un vínculo entre Siminani y su mujer y el atracador y su propia mujer. Interactúan los 4 –aunque una a través de los otros-, incluso sus hijos chicos aparecen paseando juntos. La esposa del atracador no quiere que lo filmen, porque su hijo puede sufrir de lo que ha hecho puesto a la vista de todo el mundo, por eso el atracador, a quien el director apoda el flaco, no muestra su rostro, siempre lleva una máscara. El filme tiene sus pequeñas audacias, como en el caso donde se pierde una conversación presencial –no se graba- con la mujer del atracador –a la que nunca se le ve en el documental- y Siminiani y su mujer, Ainhoa, recrean toda la escena con bastante soltura, fuerza y naturalidad, al tiempo que analizan el estigma público de cometer un gran delito. La propuesta busca o promete poner a actuar al atracador, pero es muy poco lo que finalmente actúa, es él mismo en realidad, no obstante es interesante cuando se le coloca un micrófono y el atracador habla con total libertad, como medio dueño del documental, y esa libertad hace que la película se movilice a dos bandas (complementarias), con el director por una parte y el atracador contando cosas por otra, hermanados, mostrando una fuerte amistad, que se luce transparente, cálida y genuina. El documental es honesto en todo momento, y haciendo un balance mantiene una media interesante, aunque bien avanzado el filme decae un poco el interés, pero es porque no se fuerzan cosas, falsedades o efectismos. Se llega a alucinar un final de eso épicos, pero queda en comentario curioso solamente, y mejor así, porque el filme trasmite realismo, es esa clase de filme, verídico, pero entretenido. Por la película pasan menciones de alguna que otra gran película de atracos, corre buena cinefilia. Lo que ha hecho específicamente éste atracador español es además curioso, tiene originalidad y personalidad, aunque desdeñable por ser un delito. El atracador es súper sencillo y se nota muy amable, bastante tranquilo, y se entiende la empatía que genera no solo hacia el director. El filme también articula el espejo en ciertos momentos, Siminiani debe lidiar con el nacimiento de su hijo y querer hacer el documental, su mujer no lo molesta felizmente, lo apoya, pero queda esa idea en el aire, lo que si le pasa –aunque suena lógico que así sea- al atracador con su hijo y su mujer, sobre todo por haber seguido el ejemplo paterno –igual el tipo se las arregla para hacer lo que quiere, y hay final feliz para todos- . Es un buen documental, se ve bien, tiene recursos inteligentes en la austeridad, apreciando que está muy bien hecho, tiene muy buena presencia y dominio todo el tiempo.

Hotel by the river

El director coreano Hong Sang-soo saltó de ser un pequeño cineasta a un cineasta muy popular para la cinefilia hardcore. Ya en la cima de la aclamación por ésta cinefilia todo lo que hace es reverenciado. Ésta película es una pequeña obra, un filme sencillito, austero o de bajo presupuesto, como todos los suyos. Se mueve con tan sólo 5 personajes, un padre de cierta edad y sus dos hijos “maduros”; y una pareja de amigas, dos chinitas guapas. El padre parece que tiene una enfermedad terminal o habla así, como si algo le fuera a suceder, es medio extraño, incluso puede sufrir de locura, como se deja escapar sutilmente. Las amigas paran durmiendo juntas en una pequeña cama de cuarto de hotel, y se percibe como un homoerotismo lésbico entre ellas, aunque no pasan de conversar, abrazarse y mostrarse afecto muy respetuoso. Una de ellas (Kim Min-hee) está triste porque se ha separado de su pareja, no se especifica mucho al respecto, salvo el sentimiento que la envuelve y ciertos comentarios hacia la ruptura en sí, no algo detallado. Hong Sang soo ausculta las separaciones de pareja, al tiempo que parece algo auto-analítico, el padre también está separado y hay en él una cierta definición de mujeriego o womanizer aunque más platónico porque supone un hombre de edad o quizá un caballero a fin de cuentas.  En ese ámbito, un hotel, van paseando los 5 personajes, interactuando un poco entre todos. El padre es poeta y uno de sus hijos es director de cine, y se da sin exagerar lo de ser famoso y que la gente se te acerque admirativa, mientras ellos están en su planeta, son gente humilde. El poeta incluso llena de piropos a sus dos fans féminas, aunque luego les lee un poema igual de extraño que él. Así también hay un dialogo entre naif, con peluches de por medio, y algo medio místico y estrafalario entre padre e hijos, hijos que ya están en los 40s pero se comportan a ratos infantiles, engreídos. No pasa mucho entre un padre (Gi Ju-bong) que deambula en sus últimos días sin pompa de por medio, dos jóvenes simples y bellas en plan lamento y consolación como fantasía sexual velada, y 2 hijos que quieren acercarse a su padre pero están en cierta forma perdidos, se les para escabullendo, y es una propuesta de ese tipo, de estar ahí sin más, con los problemas en fuera de campo, pero a cuestas, lidiando con lo ejecutado o cantado –la muerte en general, la separación paterna, la separación de pareja-, con la tensión tras bambalinas, en el que es un retrato común y no tan común al mismo tiempo.

Construcciones

Perteneciente a Fernado Restelli, director cordobés que con éste filme hace su debut. Es un filme sencillo sobre la vida de un padre y su pequeño hijo, en su cotidianidad. Es una propuesta que deja apreciar una vida humilde, es un filme social que contiene sensibilidad hacia quienes muestra, y quienes yacen naturales, como cuando Pedro, el padre, un hombre de la construcción y vigilante nocturno, se saca la sandalia y le llama la atención a su travieso, intenso y tierno hijo, no le pega pero lo asusta. Esto muestra que no se trata de quedar bien ante la cámara, sino de la honestidad del retrato humano, porque puede ser criticable una cierta violencia latente, pero más yace una imagen amorosa de padre e hijo, que comparten muchos momentos dulces. El padre baña a su hijo, come con él, lo viste, leen juntos, le habla y le cuenta cosas interesantes. Llegan hasta enseñarnos sus días de campamento juntos, y es un filme casi de 2 protagonistas, sumando a quienes los alojan, a una mujer robusta y su joven pareja, pero padre e hijo son el centro de la película. Pedro escucha solitario en su trabajo las noticias económicas y políticas argentinas, sin decir una palabra, es lo social al pie del cañón también. En un momento Pedro se acuesta con una mujer, quizá una prostituta, y se oye de fondo un tango cargado de vida social con la cámara encuadrando sólo el rostro de Pedro durmiendo, relajado, es la vida en sus distintas facetas, es el hombre a quien el ojo cinematográfico mira con complicidad y afecto, una mirada humana, horizontal y respetuosa en todo momento. En ese trayecto Pedro mira hacia la ciudad pensativo, silencioso, tranquilo, siempre entero a pesar de todo, con su toque de personalidad.

Jeannette, la infancia de Juana de Arco (Jeannette, l'enfance de Jeanne d'Arc)

Juana de Arco es para Francia como Santa Rosa de Lima para nosotros los peruanos, su máximo ídolo religioso -que incluye la particularidad del feminismo y la guerra- y se han hecho varios filmes notables, por tanto medio que no cabía repetir lo “convencional” cuando ya antes se ha hecho y muy bien. A ese respecto tenemos La passion de Jeanne d'Arc (1928), de Carl Theodor Dreyer, y Procès de Jeanne d'Arc (1962), de Robert Bresson. Bruno Dumont tiene sentido del humor -quien lo diría-, le gusta la comedia, como lo dicen sus trabajos últimos. Ahí tenemos a su Juana de Arco haciendo headbanging a cada rato o realizando el ejercicio atlético de una araña con total naturalidad. Es un filme curioso y se ve bien. Jeannette l'enfance de Jeanne d'Arc (2017) tiene la originalidad de que también es un musical, y la música tiene personalidad. El soundtrack de Jeannette es una fusión de músicas, el galo Igorrr es el encargado de la banda sonora, su música tiene de todo, tiene pop, no soy fan de éste estilo, pero si del hip hop, la música electrónica y el heavy metal que le ha puesto al filme. Ésta propuesta tiene un escenario austero, su puesta en escena es mínima, la presente obra es de una sencillez formal, mientras discurre una narración histórica interesante y seria –verdadera- en cierta medida, su mitología acompañada de humor, pero sin que sea una comedia. El escenario es siempre el campo, con ovejas, tierra por doquier y algo de vegetación, en el centro Jeannette mueve la cabeza y dice sus párrafos, interpretada por dos personas, una niña y una joven, Lucile Gauthier y Victoria Lefebvre, como con la monja en la obra de unas gemelas. Es un filme que es austero por donde se le mire, pero entretiene, no cansa, pero a muchos les puede parecer demasiado sencillo y algo repetitivo. La música no es mala tampoco, aunque hay quienes seguramente les puede parecer chocante, pero es una ocurrencia irreverente toda la película, parte de la modernidad del cine que tiene ya mucha agua bajo el río.

Ginger snaps

Ginger Snaps (2000), la dirige un hombre, John Fawcett, pero el guion lo escribe Karen Walton, y se nota la mirada femenina en la película, con los trances y traumas que pasan las mujeres en la adolescencia. Incluso llega hasta la adultez femenina, poco más de la mediana edad; hay una línea que señala que de todo se culpa a las mujeres, con la madre de las hermanas protagonistas sintiéndose maltratada por éste lugar común. Ginger snaps emparenta la transformación en hombre lobo –mujer lobo- con éste trance difícil de la feminidad. Brigitte  (Emily Perkins) y Ginger (Katharine Isabelle) son éstas hermanas adolescentes que son marginadas en sociedad, son outsiders, vistas como freaks, y suelen pegarse a hacer sangrientas escenografías amateurs de asesinatos con ellas mismas, sueñan con el escapismo del suicidio. Pero una vez que Ginger es atacada por un hombre lobo y se empieza a convertir en uno, el meollo del filme, las hermanas quedan separadas. Brigitte ya no querrá morir y Ginger se volverá violenta, cada vez más salvaje traducido a cierta maldad o una transformación que no le deja salida con sus instintos animales, con una sed de sangre, y excitación que parte de lo sexual. En adelante hay un festín gore, de terror, donde se nota ahora sí mucho más la mano de Fawcett, una mirada mayormente masculina, más intensa, pero propia no del movimiento sino del fotograma artístico, del acomodo para la imagen estática, pero llena de vida, impactante, clásica del cine de género. Pero también hay grandes secuencias, como la del final con el hombre lobo –una bestia, un monstruo- asechando la casa de las hermanas, o la del ataque relámpago y frenético que transforma a Brigitte. Además sobresale en la memoria la audacia de hacer heroico a un dealer, aunque anclado a la adolescencia, al relajo de la imagen, a la despreocupación y a cierta simpatía. Éste filme es canadiense y es un muy buen filme de terror, tiene sustancia y potencia. Ginger Snaps 2: Unleashed (2004) en cambio no es buena, suena bien en el papel, pero verla es hasta aburrido, es casi el opuesto total malo de la primera.